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Lot Essay
La toile de Lucas Arruda réalisée en 2012-2013 se présente comme une fenêtre sur un ciel orageux et sur les ineffables. Le peintre brésilien situe son langage pictural dans une zone d’irrésolus : est-ce l’aurore ou le crépuscule, le silence ou les grondements, le début ou la fin d’un orage?
La première tension au cœur de l’œuvre de Lucas Arruda apparaît dans ses mouvements, qui naissent du travail particulier que l’artiste consacre à la lumière. Elle déchire le ciel, se fraye un chemin. « La lumière est au centre de mon travail, elle est le mouvement. C’est la lumière qui guide ma peinture, qui crée l’intensité et finit par créer des espaces ni abstraits, ni figuratifs ». Elle se révèle aussi importante car elle formalise la composition de la toile. En effet, la seule composante structurelle de l’œuvre est la ligne d’horizon qui est aussi une ligne d’éclaircie.
La matérialité de cette peinture se dévoile dans ces nuages denses aux ombres sombres. Les couches épaisses se forment avec de nombreux coups de pinceau. La touche vive, récurrente et fine se soustrait par différentes procédés. Par essuyage, pelage ou grattage, Lucas Arruda touche les nuages, laissant apparaître ici et là des pluies de lumière. Chris Sharp écrit à propos des compositions d’Arruda qu’elles sont « le sous-produit d'un acte de décomposition…. On n'a pas l'impression que l'artiste essaie de se souvenir de quelque chose, mais plutôt de le faire naître, ou de l’épuiser ». Cet épuisement, l’artiste l’obtient debout, mélangeant ses pigments sur le mur, face à lui-même.
Le rapport physique à l’œuvre dans son processus de création artistique se traduit parallèlement par le choix de ce format. La toile, intime, invite le spectateur à un regard singulier. Il faut se rapprocher, chercher les détails, les éclaircies ; attendre patiemment pour regarder les mouvements prendre vie.
Cette dramaturgie picturale se distingue dans certaines œuvres des romantiques anglais, notamment Turner ou Constable, mais on devine aussi l’influence de la touche du peintre vénézuélien Armando Reverón. Le geste turbulent, l’évocation de la puissance de la nature et par conséquent notre impuissance face à elle, et le possible espoir, au loin, sans qu’il ne soit véritablement garanti. Cependant, Lucas Arruda ne recherche pas l’exaltation des sentiments, le ravissement ou la manifestation du sublime; il peint un miroir. Le critique Oliver Basciano développe : « apparemment, personne ne vit ou ne s'aventure dans les lieux qu'il peint (sauf, d'une certaine manière, nous) ; en fait, la matérialité du paysage d'Arruda est pratiquement ignorée au profit de l'atmosphère ».
L’œuvre présentée est issue de la série Deserto-Modelo commencée un peu avant 2010. Ce nom se réfère à des mots de João Cabral de Melo Neto. Au-delà du tangible, il s’agit pour le poète brésilien d’instituer la prévalence du concept. Il n’y a aucun évènement qui se déroule, mais une atmosphère, c’est-à-dire l’état du peintre. Lucas Arruda montre son intimité, sa mélancolie et ses doutes. Le paysage que l’on regarde longtemps devient abstraction de lui-même. Ce n’est plus de paysage dont il est question mais de la relation que nous, spectateurs, entretenons avec le tableau. Lucas Arruda peint les tourments et les apaisements, sans différencier les uns des autres.
Réalisée en 2012-2013, l’œuvre d’Arruda est l’un des rares préludes à cette série commencée un peu avant 2010 et qui se poursuit encore aujourd’hui. L’artiste est aussi présent dans d’importantes collections internationales, à l’instar de la Pinault Collection, la Fondation Beyeler, la J. Paul Getty Collection, la Pinacoteca do Estado de São Paulo, le Centre Pompidou ou encore la Tate Modern.
Lucas Arruda's 2012-2013 painting is presented as a window on a stormy sky and on the ineffable. The Brazilian painter positions his pictorial language in a zone of unresolved issues: is it dawn or dusk, silence or rumblings, the beginning or the end of a storm?
The first tension at the heart of Lucas Arruda's work appears in his movements, which are born from the particular work that the artist devotes to light. It tears the sky, makes its way. “Light is at the center of my work, it conveys movement. My painting is guided by light, it creates intensity and ends up creating spaces that are neither abstract nor figurative. It also becomes important because it formalizes the composition of the canvas. Indeed, the only structural component of the work is the horizon line, which is also a line with a bright spell.
The materiality of this painting is revealed in these dense clouds with dark shadows. The thick layers are formed with numerous brushstrokes. The lively, recurrent and fine touch is diverted through different processes. By wiping, peeling or scraping, Lucas Arruda reaches up to the clouds, letting light show through here and there. Chris Sharp writes about Arruda's compositions that they are “the by-product of an act of decomposition”....
One does not have the impression that the artist is trying to remember something, but rather to bring it to life, or to exhaust it. The artist obtains this exhaustion in a standing position, mixing his pigments on the wall, facing himself.
The physical relationship to the work in his process of artistic creation is reflected in the choice of this format. The intimate canvas invites the spectator to a singular look. You have to get closer, look for details, for the light; wait patiently to watch the movements come to life.
This pictorial dramaturgy can be seen in certain works of the English Romantics, notably Turner or Constable, but one can sense the influence of the Venezuelan painter Armando Reverón. The turbulent gesture, the evocation of the power of nature and therefore our lack of power against it, and the possible hope, in the distance, without it being really guaranteed. However, Lucas Arruda does not seek the exaltation of feelings, the rapture or the manifestation of the sublime; he paints a mirror. Art critic Oliver Basciano elaborates, “apparently no one lives or ventures into the places he paints (except, in a way, us); in fact, the materiality of Arruda's landscape is virtually ignored in favour of the atmosphere.”
The work presented here is from the Deserto-Modelo series begun just before 2010. The name refers to the words of João Cabral de Melo Neto. Beyond the tangible, it is up to the Brazilian poet to establish the prevalence of the concept. There is no event taking place, but an atmosphere, that is to say the painter’s state of mind. Lucas Arruda reveals his intimacy, his melancholy and his doubts. The landscape that we look at for a long period of time becomes an abstraction of itself. It is no longer a question of landscape but of the relationship that we, the spectators, have with the painting. Lucas Arruda paints torments and appeasements, without differentiating one from the other.
Made in 2012-2013, Arruda's piece is one of the few preludes to this series that began just before 2010 and continues to this day. The artist is also present in important international collections, such as the Pinault Collection, the Beyeler Foundation, the J. Paul Getty Collection, the Pinacoteca do Estado in São Paulo, the Centre Pompidou and the Tate Modern.
La première tension au cœur de l’œuvre de Lucas Arruda apparaît dans ses mouvements, qui naissent du travail particulier que l’artiste consacre à la lumière. Elle déchire le ciel, se fraye un chemin. « La lumière est au centre de mon travail, elle est le mouvement. C’est la lumière qui guide ma peinture, qui crée l’intensité et finit par créer des espaces ni abstraits, ni figuratifs ». Elle se révèle aussi importante car elle formalise la composition de la toile. En effet, la seule composante structurelle de l’œuvre est la ligne d’horizon qui est aussi une ligne d’éclaircie.
La matérialité de cette peinture se dévoile dans ces nuages denses aux ombres sombres. Les couches épaisses se forment avec de nombreux coups de pinceau. La touche vive, récurrente et fine se soustrait par différentes procédés. Par essuyage, pelage ou grattage, Lucas Arruda touche les nuages, laissant apparaître ici et là des pluies de lumière. Chris Sharp écrit à propos des compositions d’Arruda qu’elles sont « le sous-produit d'un acte de décomposition…. On n'a pas l'impression que l'artiste essaie de se souvenir de quelque chose, mais plutôt de le faire naître, ou de l’épuiser ». Cet épuisement, l’artiste l’obtient debout, mélangeant ses pigments sur le mur, face à lui-même.
Le rapport physique à l’œuvre dans son processus de création artistique se traduit parallèlement par le choix de ce format. La toile, intime, invite le spectateur à un regard singulier. Il faut se rapprocher, chercher les détails, les éclaircies ; attendre patiemment pour regarder les mouvements prendre vie.
Cette dramaturgie picturale se distingue dans certaines œuvres des romantiques anglais, notamment Turner ou Constable, mais on devine aussi l’influence de la touche du peintre vénézuélien Armando Reverón. Le geste turbulent, l’évocation de la puissance de la nature et par conséquent notre impuissance face à elle, et le possible espoir, au loin, sans qu’il ne soit véritablement garanti. Cependant, Lucas Arruda ne recherche pas l’exaltation des sentiments, le ravissement ou la manifestation du sublime; il peint un miroir. Le critique Oliver Basciano développe : « apparemment, personne ne vit ou ne s'aventure dans les lieux qu'il peint (sauf, d'une certaine manière, nous) ; en fait, la matérialité du paysage d'Arruda est pratiquement ignorée au profit de l'atmosphère ».
L’œuvre présentée est issue de la série Deserto-Modelo commencée un peu avant 2010. Ce nom se réfère à des mots de João Cabral de Melo Neto. Au-delà du tangible, il s’agit pour le poète brésilien d’instituer la prévalence du concept. Il n’y a aucun évènement qui se déroule, mais une atmosphère, c’est-à-dire l’état du peintre. Lucas Arruda montre son intimité, sa mélancolie et ses doutes. Le paysage que l’on regarde longtemps devient abstraction de lui-même. Ce n’est plus de paysage dont il est question mais de la relation que nous, spectateurs, entretenons avec le tableau. Lucas Arruda peint les tourments et les apaisements, sans différencier les uns des autres.
Réalisée en 2012-2013, l’œuvre d’Arruda est l’un des rares préludes à cette série commencée un peu avant 2010 et qui se poursuit encore aujourd’hui. L’artiste est aussi présent dans d’importantes collections internationales, à l’instar de la Pinault Collection, la Fondation Beyeler, la J. Paul Getty Collection, la Pinacoteca do Estado de São Paulo, le Centre Pompidou ou encore la Tate Modern.
Lucas Arruda's 2012-2013 painting is presented as a window on a stormy sky and on the ineffable. The Brazilian painter positions his pictorial language in a zone of unresolved issues: is it dawn or dusk, silence or rumblings, the beginning or the end of a storm?
The first tension at the heart of Lucas Arruda's work appears in his movements, which are born from the particular work that the artist devotes to light. It tears the sky, makes its way. “Light is at the center of my work, it conveys movement. My painting is guided by light, it creates intensity and ends up creating spaces that are neither abstract nor figurative. It also becomes important because it formalizes the composition of the canvas. Indeed, the only structural component of the work is the horizon line, which is also a line with a bright spell.
The materiality of this painting is revealed in these dense clouds with dark shadows. The thick layers are formed with numerous brushstrokes. The lively, recurrent and fine touch is diverted through different processes. By wiping, peeling or scraping, Lucas Arruda reaches up to the clouds, letting light show through here and there. Chris Sharp writes about Arruda's compositions that they are “the by-product of an act of decomposition”....
One does not have the impression that the artist is trying to remember something, but rather to bring it to life, or to exhaust it. The artist obtains this exhaustion in a standing position, mixing his pigments on the wall, facing himself.
The physical relationship to the work in his process of artistic creation is reflected in the choice of this format. The intimate canvas invites the spectator to a singular look. You have to get closer, look for details, for the light; wait patiently to watch the movements come to life.
This pictorial dramaturgy can be seen in certain works of the English Romantics, notably Turner or Constable, but one can sense the influence of the Venezuelan painter Armando Reverón. The turbulent gesture, the evocation of the power of nature and therefore our lack of power against it, and the possible hope, in the distance, without it being really guaranteed. However, Lucas Arruda does not seek the exaltation of feelings, the rapture or the manifestation of the sublime; he paints a mirror. Art critic Oliver Basciano elaborates, “apparently no one lives or ventures into the places he paints (except, in a way, us); in fact, the materiality of Arruda's landscape is virtually ignored in favour of the atmosphere.”
The work presented here is from the Deserto-Modelo series begun just before 2010. The name refers to the words of João Cabral de Melo Neto. Beyond the tangible, it is up to the Brazilian poet to establish the prevalence of the concept. There is no event taking place, but an atmosphere, that is to say the painter’s state of mind. Lucas Arruda reveals his intimacy, his melancholy and his doubts. The landscape that we look at for a long period of time becomes an abstraction of itself. It is no longer a question of landscape but of the relationship that we, the spectators, have with the painting. Lucas Arruda paints torments and appeasements, without differentiating one from the other.
Made in 2012-2013, Arruda's piece is one of the few preludes to this series that began just before 2010 and continues to this day. The artist is also present in important international collections, such as the Pinault Collection, the Beyeler Foundation, the J. Paul Getty Collection, the Pinacoteca do Estado in São Paulo, the Centre Pompidou and the Tate Modern.