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拍品专文
我想超越皮肤的界限，指出身躯是变化的空间。
我发现只要使用八条不锈钢条，并依循几个简单的原则，例如每个T字接口的一端也要在皮肤表面，而钢条要尽量与皮肤表面成直角，便能勾勒躯体内的空间，于是开始全力创作《领域》系列。
我的作品渐渐出现张力，并衍生出精简的原则，即尽量使用最少的材料来展示身体的态度，同时让雕塑能直立。
每一件《领域》雕塑都尝试把隐约的身体与真实的躯体分开，把态度化成抽象，曝露在光线和空间之中。这是一件集接收和传送于一体的诊断仪器。
——「安东尼•葛姆雷」
《领域XXXIX》贯彻葛姆雷其他代表作的经典风格，通过探索人体的形态，思考有关意识的抽象问题。雕塑的钢条巧妙地伸出、相交、再分散，构成隐约的人形。这个镂空的人形网络结构让人想起画家保罗•高更（Paul Gauguin）常被引述的存在主义问题：「我们从何而来？我们是什么？我们要去何处？」《领域XXXIX》是这位透纳奖得主1999至2009年《领域》系列的代表作，探讨于躯体形式存在空间的意义，就存在主义得出结论，而现代主义雕塑家奥古斯特•罗丹（Auguste Rodin）也曾通过作品探索这个主题。有别于拥有重量、质量和轮廓的传统雕塑，《领域XXXIX》组合了悬浮半空的空间座标，犹如无重，成为一幅「空间中的画」，捕捉身处复杂结构世界的模糊体验。《领域》不但探究启发多个世纪艺术家的存在主义问题，也是充满当代气息的作品，所用的工业材料和强调制作过程，令人想起现代雕塑家唐纳德•贾德（Donald Judd）和理察•塞拉（Richard Serra）的作品。《领域》细致地结合现代手法及经典主题，痛苦地把「实际空间……化成存在空间」（施耐德（E. Schneider）撰〈In and Out〉，「安东尼•葛姆雷」展览目录，奥地利布雷根茨美术馆，2009年）。
葛姆雷在《领域》系列中强调，制作过程对成品同样重要。他在1980年代以自己的裸体作为铅和铁制雕像的蓝本，后来其作品开始有更多大众参与。在《领域》系列中，大批英格兰盖茨黑德的居民受葛姆雷于1996年创作的《北方天使》启发，自愿参与艰苦的倒模过程，先裹上保鲜膜和粗麻网布，再涂上湿石膏，石膏模变硬定型后会被打开，艺术家会在空间中插入和焊接钢条，形成中空的钢条结构，而每件作品都因为模特儿的不同身形而呈现独特的形态。《领域XXXIX》不只是单纯地出现，而是仔细地构建(包含「构建」一词的所有后现代意义)，当中涉及集体（志愿人士一同进行铸模）和非常孤独（志愿人士被单独困于无声的石膏模内）的经历。参与创作的志愿者表示，等待石膏模硬化的过程感觉就跟欣赏雕像的超凡美态一样，他们获邀了解自己的身体，并感受葛姆雷所指的「体内空间的共同经历」（葛姆雷与戴维•匹特（D.Peat）对谈，《戴维•匹特访问》，1996年，www.antonygormley.com）。《领域》系列通过躯体突显意识，反映葛姆雷对小乘佛教中专注和冥想的兴趣。
《领域XXXIX》是没有边界的躯体，存在于观赏者的空间，既是看似不受重力影响、由直线和光线组成的平面，也是立体的作品，漠视绘画和雕塑之间的分野，体现巴布罗•毕卡索（Pablo Picasso）所指的「空间中的画」。属于现代主义雕塑的《领域XXXIX》舍弃传统雕塑主张的理想浑圆形态，反而像罗丹和阿尔伯托•贾科梅蒂（Alberto Giacometti）一样，打造破碎零散的作品，比体现比喻的雕塑更能表达内在的经历。葛姆雷的确从罗丹和贾科梅蒂汲取创作灵感，他在罗丹的《青铜时代》中感受到情感的具体化，在贾科梅蒂的《城市广场》中，他预见未来将会以关系美学、空间和时间作为主题。葛姆雷在《领域》中演绎两位现代主义艺术大师的理念，再投入当代领域，探索存在于躯体和「虚拟空间和计算机化网络」（达瑞安•里德撰〈Drawing in Space〉，「Making Space」展览，盖茨黑德波罗的海当代艺术中心，2004年）内的零散或多元化主题。
著名雕塑家葛姆雷于1950年生于伦敦，数十年来一直探索身体与空间和宇宙之间的关系。他学贯东西，曾在剑桥大学修读考古学、人类学和艺术史，也于印度和斯里兰卡研习佛教冥想二年。1994年，葛姆雷以艺术装置《英伦诸岛的土地》赢得透纳奖，作品跟《领域》一样，采用数千个按照志愿者的身体制成的小陶像。其后葛姆雷也夺得英国伦敦南岸视觉艺术奖（South Bank Prize for Visual Art）、伯恩哈德海利格尔雕塑奖（Bernhard Heiliger Award for Sculpture）、Obayashi奖和高松宫殿下纪念世界文化奖（Praemium Imperiale）。他在2014年获封爵士，以表扬他对英格兰文化的重大贡献。
我发现只要使用八条不锈钢条，并依循几个简单的原则，例如每个T字接口的一端也要在皮肤表面，而钢条要尽量与皮肤表面成直角，便能勾勒躯体内的空间，于是开始全力创作《领域》系列。
我的作品渐渐出现张力，并衍生出精简的原则，即尽量使用最少的材料来展示身体的态度，同时让雕塑能直立。
每一件《领域》雕塑都尝试把隐约的身体与真实的躯体分开，把态度化成抽象，曝露在光线和空间之中。这是一件集接收和传送于一体的诊断仪器。
——「安东尼•葛姆雷」
《领域XXXIX》贯彻葛姆雷其他代表作的经典风格，通过探索人体的形态，思考有关意识的抽象问题。雕塑的钢条巧妙地伸出、相交、再分散，构成隐约的人形。这个镂空的人形网络结构让人想起画家保罗•高更（Paul Gauguin）常被引述的存在主义问题：「我们从何而来？我们是什么？我们要去何处？」《领域XXXIX》是这位透纳奖得主1999至2009年《领域》系列的代表作，探讨于躯体形式存在空间的意义，就存在主义得出结论，而现代主义雕塑家奥古斯特•罗丹（Auguste Rodin）也曾通过作品探索这个主题。有别于拥有重量、质量和轮廓的传统雕塑，《领域XXXIX》组合了悬浮半空的空间座标，犹如无重，成为一幅「空间中的画」，捕捉身处复杂结构世界的模糊体验。《领域》不但探究启发多个世纪艺术家的存在主义问题，也是充满当代气息的作品，所用的工业材料和强调制作过程，令人想起现代雕塑家唐纳德•贾德（Donald Judd）和理察•塞拉（Richard Serra）的作品。《领域》细致地结合现代手法及经典主题，痛苦地把「实际空间……化成存在空间」（施耐德（E. Schneider）撰〈In and Out〉，「安东尼•葛姆雷」展览目录，奥地利布雷根茨美术馆，2009年）。
葛姆雷在《领域》系列中强调，制作过程对成品同样重要。他在1980年代以自己的裸体作为铅和铁制雕像的蓝本，后来其作品开始有更多大众参与。在《领域》系列中，大批英格兰盖茨黑德的居民受葛姆雷于1996年创作的《北方天使》启发，自愿参与艰苦的倒模过程，先裹上保鲜膜和粗麻网布，再涂上湿石膏，石膏模变硬定型后会被打开，艺术家会在空间中插入和焊接钢条，形成中空的钢条结构，而每件作品都因为模特儿的不同身形而呈现独特的形态。《领域XXXIX》不只是单纯地出现，而是仔细地构建(包含「构建」一词的所有后现代意义)，当中涉及集体（志愿人士一同进行铸模）和非常孤独（志愿人士被单独困于无声的石膏模内）的经历。参与创作的志愿者表示，等待石膏模硬化的过程感觉就跟欣赏雕像的超凡美态一样，他们获邀了解自己的身体，并感受葛姆雷所指的「体内空间的共同经历」（葛姆雷与戴维•匹特（D.Peat）对谈，《戴维•匹特访问》，1996年，www.antonygormley.com）。《领域》系列通过躯体突显意识，反映葛姆雷对小乘佛教中专注和冥想的兴趣。
《领域XXXIX》是没有边界的躯体，存在于观赏者的空间，既是看似不受重力影响、由直线和光线组成的平面，也是立体的作品，漠视绘画和雕塑之间的分野，体现巴布罗•毕卡索（Pablo Picasso）所指的「空间中的画」。属于现代主义雕塑的《领域XXXIX》舍弃传统雕塑主张的理想浑圆形态，反而像罗丹和阿尔伯托•贾科梅蒂（Alberto Giacometti）一样，打造破碎零散的作品，比体现比喻的雕塑更能表达内在的经历。葛姆雷的确从罗丹和贾科梅蒂汲取创作灵感，他在罗丹的《青铜时代》中感受到情感的具体化，在贾科梅蒂的《城市广场》中，他预见未来将会以关系美学、空间和时间作为主题。葛姆雷在《领域》中演绎两位现代主义艺术大师的理念，再投入当代领域，探索存在于躯体和「虚拟空间和计算机化网络」（达瑞安•里德撰〈Drawing in Space〉，「Making Space」展览，盖茨黑德波罗的海当代艺术中心，2004年）内的零散或多元化主题。
著名雕塑家葛姆雷于1950年生于伦敦，数十年来一直探索身体与空间和宇宙之间的关系。他学贯东西，曾在剑桥大学修读考古学、人类学和艺术史，也于印度和斯里兰卡研习佛教冥想二年。1994年，葛姆雷以艺术装置《英伦诸岛的土地》赢得透纳奖，作品跟《领域》一样，采用数千个按照志愿者的身体制成的小陶像。其后葛姆雷也夺得英国伦敦南岸视觉艺术奖（South Bank Prize for Visual Art）、伯恩哈德海利格尔雕塑奖（Bernhard Heiliger Award for Sculpture）、Obayashi奖和高松宫殿下纪念世界文化奖（Praemium Imperiale）。他在2014年获封爵士，以表扬他对英格兰文化的重大贡献。