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拍品专文
Le visage vigoureux et attentif de Buste d’homme est un alter ego fascinant de Pablo Picasso, à la fois référence à l’artiste lui-même et témoignage captivant de la façon dont il explore le thème de la jeunesse. Tout au long de sa carrière, l’artiste andalou s’est représenté au travers d’une série de personnages pour renforcer les aspects allégoriques de son travail. Arlequin, faune, minotaure ou mousquetaire, les personnages auxquels s’associe Picasso sont sans aucun doute parmi les plus complexes et les plus riches de l’histoire de l’art moderne, et constituent un aspect fondamental de l’héritage de l’artiste.
Deux thèmes distincts récurrents dans tout l’œuvre de l’artiste sont clairement identifiables dans Buste d’homme: même si le titre fait référence à un homme, cette représentation est celle d’un garçon ou d’un tout jeune homme, et donc de la jeunesse. C’est également le portrait d’un matelot portant la traditionnelle marinière. Le premier thème de la jeunesse est exploré par Picasso tout au long des soixante dix ans de sa carrière artistique. Lors de ses débuts à Paris, il fréquente de jeunes artistes avec qui il partage la découverte de ce nouvel univers, où l'ambition se heurte souvent à l'adversité. Une fois père, Picasso voit son énergie et sa curiosité redynamisées par ses enfants, qui insufflent à son travail un véritable renouveau. À partir de la fin des années 1940 Picasso utilise ses portraits du jeune homme, du fils, comme représentations de lui-même plus jeune. Enfin, à l’âge mûr, sa vision s'élargit à toute sa vie et au-delà, pour englober l’histoire des artistes qui l’ont précédé, un royaume où la présence de silhouettes juvéniles éveille la nostalgie.
Peint en 1964, notre portrait incarne plusieurs de ces concepts. Picasso utilise diverses techniques visuelles pour représenter la jeunesse de son sujet. Montré de face, le visage est décrit au moyen de rayures, de traits et de points. Les plans du nez et des pommettes sont ciselés en couleur pure contrastant intensément avec la blancheur du visage. L’effet général rappelle la manière des premiers dessins d’enfants et illustre la déclaration de l’artiste selon laquelle la technique en peinture est importante, «à condition d’en avoir tant…qu’elle cesse complètement d’exister» (cité in J. Richardson, Late Picasso: Paintings, sculpture, drawings, prints 1953-1972, catalogue d’exposition, Londres et Paris, 1988, p. 42). Comme dans d’autres œuvres comparables de l’époque (fig. 1), le visage ici est dominé par les yeux formés de points noirs entourés d’une surface jaune ou rouge. Grands ouverts, les yeux soutiennent le regard du spectateur. Les portraits de Picasso rappellent aussi ceux du Fayoum, à l’époque de l’Égypte romaine, où le défunt est représenté sur sa tombe en prévision de son entrée dans l’au-delà. Les portraits de Picasso dégagent ce sentiment de transcendance du temps, mais plutôt qu’appréhender l’avenir, ils évoquent le passé, la tentative de l’artiste de capturer une innocence et une vitalité perdues.
La marinière traditionnelle du modèle ajoute un élément qui souligne la nature autobiographique de Buste d’homme. Picasso lui-même en porte souvent, comme on peut le voir sur plusieurs des photographies les plus célèbres de l’artiste (fig. 2). Le désir de Picasso de se voir associé aux marins vient de son admiration pour ces personnages puissants, probablement vus sur les quais d’Antibes ou de Cannes. Pour Picasso, le marin est l’archétype de la Méditerranée antique, un lien vers une période d’aventures épiques. En dehors de la présence de la marinière, le personnage de Buste d’homme apparait plutôt innocent et soigné. Tel un Ulysse contemporain, ce jeune homme jette sur le monde un regard dépourvu de crainte et plein d’espoir.
The vigorous expectant face in Buste d’homme offers an intriguing alter ego portrait by Pablo Picasso, immediately identifiable as self-referential whilst also offering a captivating example of the artist’s exploration of the theme of youth. Throughout his career, the Andalousian artist portrayed himself through a series of surrogate personalities, employed as a means to reinforce the allegorical aspects of his work. As Harlequin, Faune, Minotaur or Musketeer, Picasso’s cast of self-associative characters is unquestionably the richest and most complex in the history of modern art, and constitutes one of the fundamental elements of the artist’s legacy.
Two distinct themes which recur throughout the artist’s work are clearly represented in Buste d’homme: notwithstanding its title referring to a man, the present work is clearly the depiction of a boy or at most a young man and as such is a representation of youth. It is also a portrayal of a matelot or traditional sailor type. The first of these themes, that of youth, was one which Picasso would explore across the breadth of his seventy years of artistic activity. In his early years in Paris he associated with fellow young artists and performers with whom he felt a shared sense of discovery whilst caught up in a world of ambition and hardship. As a father, Picasso’s energies and inquisitiveness were rekindled by the presence of his children, bringing to his work a sense of renewal through his observation of children’s innocence and directness. From the late 1940s, Picasso would use the portrayal of a young man, the son, as a junior edition of himself. Lastly, in his mature years, Picasso’s vision stretched back both across his own life and beyond to encompass the histories of previous artists, a realm where nostalgia and substitution resonated through the presence of youthful figures.
Painted in 1964, the present portrait serves to embody several of these concepts. Picasso’s depiction of the youthfulness of his subject is achieved through the use of specific visual devices. Depicted straight on, the face is described using a shorthand of stripes, dashes and dots. The planes of the nose and cheekbones are chiseled in pure colour which contrast strongly against the whiteness of his face. The overall effect thereby recalls the manner of a child’s first drawings, and illustrates the artists belief that technique in painting was important, "on condition that one has so much... that it completely ceases to exist" (cited in J. Richardson, Late Picasso: Paintings, sculpture, drawings, prints 1953-1972, exhibition catalogue, London and Paris, 1988, p. 42). As in other comparable works from this period (fig. 1) the face here is dominated by eyes formed of black dots surrounded by a sweep of yellow or red. Wide open, the eyes hold the viewer’s gaze. Picasso’s portraits also recall those of Fayoum, from the Roman Egypt era, where the deceased’s likeness was painted on their tomb in preparation for entering the afterlife. Picasso’s portraits share this sense of vision across time, but rather than apprehending the future they allude to the past, of the artist’s attempt to capture a lost innocence and vitality.
The presence of the traditional matelot or striped sailor’s shirt worn by the sitter here adds a further layer which underscores the self-referential nature of Buste d’homme. Picasso himself often wore a matelot, as testament by several of the most celebrated photographs of the artist (fig. 2). Picasso’s desire to associate himself with sailors reveals an admiration the artist felt for these brawny personalities, some of whom he no doubt encountered at the docks in Antibes or Cannes. To Picasso, the sailor represented an archetype from the Mediterranean’s past, bridging the gap to a time of epic adventures. Other than the presence of his matelot, the personality depicted in Buste d’homme however displays a rather clean cut and innocent appearance. A modern day Odysseus, this youth faces the world with fearlessness and expectation.
Deux thèmes distincts récurrents dans tout l’œuvre de l’artiste sont clairement identifiables dans Buste d’homme: même si le titre fait référence à un homme, cette représentation est celle d’un garçon ou d’un tout jeune homme, et donc de la jeunesse. C’est également le portrait d’un matelot portant la traditionnelle marinière. Le premier thème de la jeunesse est exploré par Picasso tout au long des soixante dix ans de sa carrière artistique. Lors de ses débuts à Paris, il fréquente de jeunes artistes avec qui il partage la découverte de ce nouvel univers, où l'ambition se heurte souvent à l'adversité. Une fois père, Picasso voit son énergie et sa curiosité redynamisées par ses enfants, qui insufflent à son travail un véritable renouveau. À partir de la fin des années 1940 Picasso utilise ses portraits du jeune homme, du fils, comme représentations de lui-même plus jeune. Enfin, à l’âge mûr, sa vision s'élargit à toute sa vie et au-delà, pour englober l’histoire des artistes qui l’ont précédé, un royaume où la présence de silhouettes juvéniles éveille la nostalgie.
Peint en 1964, notre portrait incarne plusieurs de ces concepts. Picasso utilise diverses techniques visuelles pour représenter la jeunesse de son sujet. Montré de face, le visage est décrit au moyen de rayures, de traits et de points. Les plans du nez et des pommettes sont ciselés en couleur pure contrastant intensément avec la blancheur du visage. L’effet général rappelle la manière des premiers dessins d’enfants et illustre la déclaration de l’artiste selon laquelle la technique en peinture est importante, «à condition d’en avoir tant…qu’elle cesse complètement d’exister» (cité in J. Richardson, Late Picasso: Paintings, sculpture, drawings, prints 1953-1972, catalogue d’exposition, Londres et Paris, 1988, p. 42). Comme dans d’autres œuvres comparables de l’époque (fig. 1), le visage ici est dominé par les yeux formés de points noirs entourés d’une surface jaune ou rouge. Grands ouverts, les yeux soutiennent le regard du spectateur. Les portraits de Picasso rappellent aussi ceux du Fayoum, à l’époque de l’Égypte romaine, où le défunt est représenté sur sa tombe en prévision de son entrée dans l’au-delà. Les portraits de Picasso dégagent ce sentiment de transcendance du temps, mais plutôt qu’appréhender l’avenir, ils évoquent le passé, la tentative de l’artiste de capturer une innocence et une vitalité perdues.
La marinière traditionnelle du modèle ajoute un élément qui souligne la nature autobiographique de Buste d’homme. Picasso lui-même en porte souvent, comme on peut le voir sur plusieurs des photographies les plus célèbres de l’artiste (fig. 2). Le désir de Picasso de se voir associé aux marins vient de son admiration pour ces personnages puissants, probablement vus sur les quais d’Antibes ou de Cannes. Pour Picasso, le marin est l’archétype de la Méditerranée antique, un lien vers une période d’aventures épiques. En dehors de la présence de la marinière, le personnage de Buste d’homme apparait plutôt innocent et soigné. Tel un Ulysse contemporain, ce jeune homme jette sur le monde un regard dépourvu de crainte et plein d’espoir.
The vigorous expectant face in Buste d’homme offers an intriguing alter ego portrait by Pablo Picasso, immediately identifiable as self-referential whilst also offering a captivating example of the artist’s exploration of the theme of youth. Throughout his career, the Andalousian artist portrayed himself through a series of surrogate personalities, employed as a means to reinforce the allegorical aspects of his work. As Harlequin, Faune, Minotaur or Musketeer, Picasso’s cast of self-associative characters is unquestionably the richest and most complex in the history of modern art, and constitutes one of the fundamental elements of the artist’s legacy.
Two distinct themes which recur throughout the artist’s work are clearly represented in Buste d’homme: notwithstanding its title referring to a man, the present work is clearly the depiction of a boy or at most a young man and as such is a representation of youth. It is also a portrayal of a matelot or traditional sailor type. The first of these themes, that of youth, was one which Picasso would explore across the breadth of his seventy years of artistic activity. In his early years in Paris he associated with fellow young artists and performers with whom he felt a shared sense of discovery whilst caught up in a world of ambition and hardship. As a father, Picasso’s energies and inquisitiveness were rekindled by the presence of his children, bringing to his work a sense of renewal through his observation of children’s innocence and directness. From the late 1940s, Picasso would use the portrayal of a young man, the son, as a junior edition of himself. Lastly, in his mature years, Picasso’s vision stretched back both across his own life and beyond to encompass the histories of previous artists, a realm where nostalgia and substitution resonated through the presence of youthful figures.
Painted in 1964, the present portrait serves to embody several of these concepts. Picasso’s depiction of the youthfulness of his subject is achieved through the use of specific visual devices. Depicted straight on, the face is described using a shorthand of stripes, dashes and dots. The planes of the nose and cheekbones are chiseled in pure colour which contrast strongly against the whiteness of his face. The overall effect thereby recalls the manner of a child’s first drawings, and illustrates the artists belief that technique in painting was important, "on condition that one has so much... that it completely ceases to exist" (cited in J. Richardson, Late Picasso: Paintings, sculpture, drawings, prints 1953-1972, exhibition catalogue, London and Paris, 1988, p. 42). As in other comparable works from this period (fig. 1) the face here is dominated by eyes formed of black dots surrounded by a sweep of yellow or red. Wide open, the eyes hold the viewer’s gaze. Picasso’s portraits also recall those of Fayoum, from the Roman Egypt era, where the deceased’s likeness was painted on their tomb in preparation for entering the afterlife. Picasso’s portraits share this sense of vision across time, but rather than apprehending the future they allude to the past, of the artist’s attempt to capture a lost innocence and vitality.
The presence of the traditional matelot or striped sailor’s shirt worn by the sitter here adds a further layer which underscores the self-referential nature of Buste d’homme. Picasso himself often wore a matelot, as testament by several of the most celebrated photographs of the artist (fig. 2). Picasso’s desire to associate himself with sailors reveals an admiration the artist felt for these brawny personalities, some of whom he no doubt encountered at the docks in Antibes or Cannes. To Picasso, the sailor represented an archetype from the Mediterranean’s past, bridging the gap to a time of epic adventures. Other than the presence of his matelot, the personality depicted in Buste d’homme however displays a rather clean cut and innocent appearance. A modern day Odysseus, this youth faces the world with fearlessness and expectation.