人体之作：皇家艺术学院「安东尼·葛姆雷」作品展

“人体内有许多成对器官：大脑、眼睛、耳朵、肺叶、睾丸、肾部，都有左右两边，双手双脚更不消说。”安东尼·葛姆雷说道。“我想在自己的雕塑中传达这一点，单个雕塑也能反映出两个连在一起的完整躯体。”

葛姆雷早期作品中最重要的便是1987年所作的《生长》，雕塑乃这位英国雕塑家以自己的身体为原型铸造而成，其中两个类似石棺的形状以铅板锤炼制成。此作是葛姆雷第一批“双体”（double bodycase）作品之一，将于10月4日在佳士得伦敦弗利兹艺术周期间瞩目亮相。

1989-90年所作的《天使I》标志着葛姆雷的人体作品达到巅峰，此作亦是葛姆雷举世闻名的雕塑《北方天使》（1998年作）前身。2017年，日本藏家前泽友作（Yusaku Maezawa）在佳士得伦敦以5,296,250英镑的价格投得《天使I》，刷新艺术家作品世界拍卖纪录。

伦敦皇家艺术学院将于13个主要画廊内举办大型展览「安东尼·葛姆雷」，呈献艺术家早期的几何雕塑以及全新的《屯蒙》（Host）装置艺术，以海水和红土充满整个房间。《生长》一作预示着艺术家其后的伟大成就，亦将于展览揭幕后很快亮相拍场。

我们采访了展览策展人之一Sarah Lea，探讨策划这一大型展览时所遇到的挑战。

即将揭幕的展览是如何挑选参展作品的？

Sarah Lea：“最初的设想是利用所有主要画廊的空间，参观者在不同展厅间移动时可邂逅一系列艺术品。展览包罗葛姆雷每十年的主要作品，既有精美细腻的小型作品，亦有恢弘雄伟的大气之作，但并非按时间先后展出。参展的展品无一不探索我们各自所栖息的人体，以及其与周遭环境的关系——尤其是我们日常生活中无处不见的建筑背景，作品亦反思我们如何从现实和想象中体验空间。”

展览中最早期的作品能够揭露什么意义？

SL： “我们辟出一个画廊专门展出来自1980年代初的雕塑，反映出葛姆雷对木材、铅材乃至面包等物料的实验手法，艺术家以多种方式运用这些媒材进行创作。作品中的躯体并非具象，但亦有迹可寻，或是来自人体动作。这些早期作品反映出艺术家对自然生长、时间与空间等元素的浓厚兴趣，纵观其艺术生涯，这些主题贯穿始终。”

葛姆雷为何从1980年代起开始以自己的身体为原型铸造雕塑？

SL：“以铅覆于自然或人造对象表面，维持其形状而打造铸模这个过程十分关键。哪怕对象缺席亦可营造出存在的强大表象，葛姆雷对这一概念深深着迷。‘人体’系列作品将身体曾经占有过的空间变为现实——它们不是肖像或是临摹，而是真切捕捉到一段生活时光。”

葛姆雷的雕塑是如何从概念化为实际？

SL：“绘画是葛姆雷创意过程中的重要一环；他永远随身携带画本。是次展览精选艺术家45年来的绘画精品，观者得以一瞥其创意结晶及启发过程。葛姆雷经常以自己的身体作为创作工具和媒介，早期以不同方式铸造模型，近期则透过数码扫描和建模完成作品。”

葛姆雷所采用的物料和其艺术作品间的关系如何？

SL：“此次展览中可见有机物料和工业材料——红土、海水、铝材和钢材等。它们各自拥有独特性质和‘抗性’——《清洁》中充满能量的电线彷佛在‘空间中绘画’，你可以进入并在墙壁、天花板和地板间的空间内爬行，以及《矩阵》中幽灵般的网格，乃以建筑构造中常用的混凝土加固物料制成。这些选择都对我们在自然世界以及自建环境的体验发出疑问。”

葛姆雷称展览将会为“试验场”时，就是这个意思吗？

SL：“从某种意义上说，画廊并非葛姆雷所习惯的场地——他一般在户外工作，山水间、乡村和城市都留下他的足迹。我认为他将此次展览看作一个在时间和空间上都极为特殊的事件。这一想法主要是对皇家艺术学院构造独特的十九世纪画廊所作出的响应，艺术学院的展览空间采光充足，但亦有自己强烈的个性。我们的展览通常向观者叙述艺术家的生平或是某个艺术浪潮——但葛姆雷尽力避免此种视角，他所布置的环境等待观者将自己的故事带入其中。”

组织此展时，你遇到过什么挑战？

SL：“我认为我们在皇家美术学院做过的展览中，从与建筑物的互动方面看，这是物流最复杂的一次。安东尼·葛姆雷的工作室团队才华横溢而投入专注，他们与我们的建筑师和结构工程师密切合作，克服实际遇到的各种问题，并找到解决方式，令作品在空间中毫不费力地呈现出来。”

最后，你认为展览中哪个元素能令参展观者最为啧啧称奇？

SL：“如果观者真正了解葛姆雷的人体作品或是公众雕塑，我认为展览中多个装置艺术的抽象和简洁会令其驻足惊叹。这些作品构想之初便意在将观者的身体置于舞台中央，令我们重新恢复理智，并着眼于当下此刻，将直接体验放在第一位。”

「安东尼·葛姆雷」展览将于2019年9月21日至12月3日在伦敦皇家艺术学院展出