《绘画162 x 139公分，1961年7月9日》——“包含藏家心仪的所有彼埃·苏拉吉代表元素”

17岁的彼埃·苏拉吉（Pierre Soulages）曾经站在一座中世纪教堂的巨大穹顶下，观察透过窗户洒向昏暗地面的光线，自此立志成为画家。

“我看到光影拥有了生命。”苏拉吉表示——并在自己一生的画作中不断重现这一瞬间。

如今，这位抽象艺术家被公认为法国最伟大的在世艺术家。百岁高龄的他以其超越黑色的画作蜚声国际艺坛。画布表面以扣人心弦的方式捕捉并玩味光线，作品因此充满生机活力。2009年，蓬皮杜中心为其举办回顾展，2014年，法国时任总统弗朗索瓦·奥朗德亲自于南法城市罗德兹为苏拉吉博物馆（Musée Soulages）剪彩。

本月，佳士得将隆重呈献苏拉吉艺术生涯关键时期的重要巨作，创作于1950年代至1960年代初，此画最后一次公开现身是在1961年末纽约库兹画廊的展览上，由富有远见的藏家多纳德·斯特莱姆伉俪买下，此后从大众视野中销声匿迹。

“这幅杰作重新被发现令人心潮澎湃。”佳士得巴黎战后及当代艺术部主管Paul Nyzam感叹道。“此画包含藏家心仪的所有彼埃·苏拉吉代表元素，从大胆奔放的构图、对光线的玩味，以至于黑色和蓝色颜料间的感性互动，都在其中。”

苏拉吉1919年出生于小镇罗德兹，二十几岁时开始在艺坛崭露头角。1948年，纽约现代艺术博物馆策展人詹姆斯·约翰森·斯维尼（1900-1986）在听闻“巴黎说有位画家仅以粗犷的黑色颜料作画”后，来到苏拉吉的画室拜访。他被自己见到的情景深深打动。

苏拉吉当时的创作方式是以抹刀在画布上刮涂颜料，创出尺幅恢宏、充满动态的巨大画作。斯维尼返回美国后曾经兴奋地说道：”彼埃·苏拉吉的画作就如同一架巨大钢琴上的和弦一样，双手同时弹奏，按下琴键并静止不动。”

不久后，美国藏家便纷纷开始购买苏拉吉作品，包括尼尔森（Nelson）及大卫·洛克菲勒(David Rockefeller)、波顿·特雷梅恩（Burton Tremaine）及玛丽·卡勒（Mary Callery）等。1950年时，苏拉吉已经在纽约贝蒂·帕森斯画廊（Betty Parsons Gallery）展出作品，并与罗伯特·马瑟韦尔（Robert Motherwell）及马克·罗斯科（Mark Rothko）等抽象表现主义艺术家成为好友。

“他的展览门票供不应求。人们以为他是一位以美国风格创作的法国画家，但实际上他与抽象表现主义艺术家几乎没有任何相似之处。”专家说道。

到了1950年，苏拉吉参加了西德尼·詹尼斯画廊（Sidney Janis Gallery）举办的群展「美国与法国的年轻画家」，将这种对比推向高潮。

“这次展览彷佛运动比赛一样。”苏拉吉回忆道。“展览标题显然暗示法国、或者说巴黎，仍旧在艺术世界占据举足轻重的位置。而代表美国的纽约是比赛举办者，以挑战者的身份试图奠定自己的地位。”

展览的结果是在两国艺术家间产生了民族主义的紧张局势——马瑟韦尔对苏拉吉说只有美国人才了解什么是抽象表现主义，而苏拉吉则回应道，艺术应该能够被所有人理解。

专家表示，“苏拉吉从未将自己当成抽象表现主义的一员。他是一位理性主义者；其画作中充盈的并非存在主义的激情。他是一位将颜料作为通用而绝对的创作语言的艺术家。”

从这方面而言，苏拉吉与已故的法籍华裔艺术家赵无极（1921-2013）拥有更为亲密的友谊，二者都秉承普世美学理念，且都从史前及古代艺术中汲取创作灵感：赵氏研究可追溯至公元前1500年的甲骨文，而苏拉吉则将目光投向1940年出土的拉斯科洞穴壁画及原始石雕。历史久远的上古壁画对艺术家影响深远，他在反思中认为这些无名画家“从一开始就创作出了顶尖的艺术作品。”

在《绘画162 x 139公分，1961年7月9日》中，苏拉吉重现了在阴影中创作的远古画家笔下那蓝色与黑色的基本元素。透过对颜料得心应手的运用，他塑造出物质和光线，将71,000年前的原始世界从黑暗中带到观者眼前。