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拍品專文
「人們說我近年來的作品與極簡藝術有相似之處，但我不同意這樣的說法。我的畫作其實更貼近東方傳統與其所欲彰顯的精神性空間概念。我對於透過自然界角度所描繪的空間意象感到興味盎然，雖說我的畫作或許帶有一種文化觀點，但作品的出發點總是不脫自然本質的主軸。我想在其他的作品中減少創作裡的情感與概念，全然以自然界的角度去表達我對空間的興趣。然後我希望能進一步連自然的元素都抽離，進而創造出一種純粹空無的境界。天人合一向來是東方哲理中一個古老的核心價值，類似的理念其貫穿了我從七十至八十年代期間的作品，這樣的創作堅持絕非這幾年才出現。」
──朴栖甫
生於1931年，朴栖甫是韓國單色畫運動中最重要的核心成員之一。單色畫運動興起於六十年代末期，一直延續至七十年代。朴栖甫在這樣的時代精神下，以全新的抽象觀點與創作堅持，致力解放韓國的當代藝術，讓許多創作者得以掙脫刻板保守主義的牢籠。
朴栖甫的作品《描法第65-75號》(Lot 6) 與其同系列作品 (圖1) 展現出創作者毫無懈怠的直覺與專注力，透過重複出現的筆劃鍛造出其寫作系列獨特的勾描技法。如此獨特的創作方式自1960年代末期於焉展開，於畫布上乘興遨遊超過七十載，其細膩的筆觸與精準的力道，多年來透過不同媒材的轉換持續演進，無論色彩與風格，在歲月的梳刷下早已逐漸累積出深度，視覺張力也更臻成熟完整。韓文中的「勾描」一詞，是一種以細線勾勒描繪物體輪廓的水墨畫技法，朴栖甫在《描法》系列中，透過線條飛彈的繁複層次，呈現出東方書法中溫潤清瑩的墨氣與筆下豪情壯美的視覺質感。
熟知單色畫運動的知名學者奇廷泫表示：「過往與現在的不同時態在朴栖甫的心中徜徉，促使他創作如今最廣為人知的《描法》系列。他嫻熟的水墨畫技藝是如此顯而易見；一幅作於描法年的代表性作品直接展露出承襲自書法傳統的流暢線條。」
他相信真實自我，帶著團結藝術家的信念，利用東方書法 (圖2) 蘊含大眾的生命力－「氣」，傳達生命的精髓。朴栖甫精準掌握黑白兩個相對的顏色，在張力與和諧中展現美學之無限。以鉛筆編排密集式的圓形圖案作為獨白，每道筆鋒落下，朴栖甫在揭示他的理念，掏空心緒、驚歎無盡的空間讓他體會超自然的境界。
在八十年代期間，朴栖甫開拓其媒材使用的範疇，並開始使用韓紙──韓國的傳統紙張。朴栖甫以韓紙為基底創作的作品，多是將一層層韓紙堆疊於畫布之上，內層以石膏打底，再將壓克力顏料噴覆於其上。接著他再將一張張浸泡在壓克力顏料與韓墨的紙張鋪在染了色的背景上，並用手指去推揉。韓籍藝評家金福榮評論韓紙對於朴栖甫的意義，曾指出：「紙對朴栖甫而言不只是紙。它具有更重大的意義。他不只把紙張視為能接受他繪畫的載體，而是他必須肅然以對的物件。在此，紙張所意味著的並不是與精神上相悖的物質，而是一場能讓他的心靈與身體共同參與的過程。這就是為什麼紙張對他而言，是可以透過與之合而為一進而改變的物質…媒材與行動本身，於目的及方法層面互不相干，但都是必要的元素，兩者平行運作。兩者都是構成自然的核心元素，世界則融洽、和睦地處於這兩者之間。」朴栖甫的韓紙藝術在九十年代至兩千年初期間持續地發展，但不曾背離他為了和自然合而為一，而拋棄人欲的核心概念。路維斯•畢格斯曾對朴栖甫所強調的自由經驗評論道：「朴栖甫相信自己扮演著透過身體動作協助物件 (紙張或顏料)發聲的角色。他本身無話可說、無所表達。他拒絕西方定義的『藝術家』頭銜，他視藝術為他的天職，好似一名『君子』或是一位僧人，去進行他所認為是『好』的行為，而非因為他必須有所作為。」
朴栖甫自六十年代起，作品便廣泛於韓國與世界各地展出，其中包含了紐約布魯克林博物館、台北市國立歷史博物館、日本東京都美術館、韓國國立現代美術館首爾分館與泰特利物浦美術館等。朴栖甫的作品同時也是國際知名藝術大展的受邀常客，巴黎、聖保羅與維尼斯雙年展中，經常可見他的作品。作品藏於首爾的韓國的三星美術館、首爾美術館、東京現代美術館以及日本福岡縣立美術館。
──朴栖甫
生於1931年，朴栖甫是韓國單色畫運動中最重要的核心成員之一。單色畫運動興起於六十年代末期，一直延續至七十年代。朴栖甫在這樣的時代精神下，以全新的抽象觀點與創作堅持，致力解放韓國的當代藝術，讓許多創作者得以掙脫刻板保守主義的牢籠。
朴栖甫的作品《描法第65-75號》(Lot 6) 與其同系列作品 (圖1) 展現出創作者毫無懈怠的直覺與專注力，透過重複出現的筆劃鍛造出其寫作系列獨特的勾描技法。如此獨特的創作方式自1960年代末期於焉展開，於畫布上乘興遨遊超過七十載，其細膩的筆觸與精準的力道，多年來透過不同媒材的轉換持續演進，無論色彩與風格，在歲月的梳刷下早已逐漸累積出深度，視覺張力也更臻成熟完整。韓文中的「勾描」一詞，是一種以細線勾勒描繪物體輪廓的水墨畫技法，朴栖甫在《描法》系列中，透過線條飛彈的繁複層次，呈現出東方書法中溫潤清瑩的墨氣與筆下豪情壯美的視覺質感。
熟知單色畫運動的知名學者奇廷泫表示：「過往與現在的不同時態在朴栖甫的心中徜徉，促使他創作如今最廣為人知的《描法》系列。他嫻熟的水墨畫技藝是如此顯而易見；一幅作於描法年的代表性作品直接展露出承襲自書法傳統的流暢線條。」
他相信真實自我，帶著團結藝術家的信念，利用東方書法 (圖2) 蘊含大眾的生命力－「氣」，傳達生命的精髓。朴栖甫精準掌握黑白兩個相對的顏色，在張力與和諧中展現美學之無限。以鉛筆編排密集式的圓形圖案作為獨白，每道筆鋒落下，朴栖甫在揭示他的理念，掏空心緒、驚歎無盡的空間讓他體會超自然的境界。
在八十年代期間，朴栖甫開拓其媒材使用的範疇，並開始使用韓紙──韓國的傳統紙張。朴栖甫以韓紙為基底創作的作品，多是將一層層韓紙堆疊於畫布之上，內層以石膏打底，再將壓克力顏料噴覆於其上。接著他再將一張張浸泡在壓克力顏料與韓墨的紙張鋪在染了色的背景上，並用手指去推揉。韓籍藝評家金福榮評論韓紙對於朴栖甫的意義，曾指出：「紙對朴栖甫而言不只是紙。它具有更重大的意義。他不只把紙張視為能接受他繪畫的載體，而是他必須肅然以對的物件。在此，紙張所意味著的並不是與精神上相悖的物質，而是一場能讓他的心靈與身體共同參與的過程。這就是為什麼紙張對他而言，是可以透過與之合而為一進而改變的物質…媒材與行動本身，於目的及方法層面互不相干，但都是必要的元素，兩者平行運作。兩者都是構成自然的核心元素，世界則融洽、和睦地處於這兩者之間。」朴栖甫的韓紙藝術在九十年代至兩千年初期間持續地發展，但不曾背離他為了和自然合而為一，而拋棄人欲的核心概念。路維斯•畢格斯曾對朴栖甫所強調的自由經驗評論道：「朴栖甫相信自己扮演著透過身體動作協助物件 (紙張或顏料)發聲的角色。他本身無話可說、無所表達。他拒絕西方定義的『藝術家』頭銜，他視藝術為他的天職，好似一名『君子』或是一位僧人，去進行他所認為是『好』的行為，而非因為他必須有所作為。」
朴栖甫自六十年代起，作品便廣泛於韓國與世界各地展出，其中包含了紐約布魯克林博物館、台北市國立歷史博物館、日本東京都美術館、韓國國立現代美術館首爾分館與泰特利物浦美術館等。朴栖甫的作品同時也是國際知名藝術大展的受邀常客，巴黎、聖保羅與維尼斯雙年展中，經常可見他的作品。作品藏於首爾的韓國的三星美術館、首爾美術館、東京現代美術館以及日本福岡縣立美術館。