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拍品專文
九十年代末歷史性的草間彌生個人展覽「Love Forever: Yayoi Kusama, 1958-1968/In Full Bloom: Yayoi Kusama, Years In Japan」巡迴美國及日本，由洛杉磯郡藝術博物館與日本基金會聯合主辦，紐約現代藝術博物館協辦，經過兩地重要文化機構歷時三年的籌備，系統地梳理這位傳奇藝術家的藝術軌跡。這次展覽囊括草間彌生於紐約時期及日本時期多達200 餘件作品，規模宏大，並由兩地學者撰寫專文。洛杉磯郡藝術博物館總監Graham W. J. Beal 及紐約現代藝術博物館總監Glenn D.Lowry 在前言中講述這次大型展覽的緣起時，肯定草間彌生的先鋒地位，談及她排除萬難，以日本藝術家的身份在六十年代對美國藝術發展影響深遠，她的藝術揉合多種流派的元素，包括超現實主義，抽象表現主義、極簡主義及波普藝術，並預示後極簡主義的流行，又啟發了一些現今具影響力的後輩藝術家。
草間彌生自1975 年歸國後在國際藝壇相對沈寂，這次回顧式的 大型展覽令她重回世界藝術中心的目光，饒富意義。《No. F. C. H.》( 拍品編號 39) 便是展覽中十一件「無限之網」系列油畫作品之一，曾於如此重要的展覽中巡迴兩地展出，由私人收藏家珍藏後便從未在市場曝光。畫作完成於1960 年，時值這個標誌性系列的始創期，被公認為奠定草間彌生往後藝術發展的里啟碑式創作，無疑是藝術家經典傑作。
「無限之網」系列大量運用反差強烈的色彩，如「紅與黑」、「黃與黑」或「綠與黑」等，利用沉穩的黑色，烘托另一色彩的鮮明網紋。底與面的關係分明，《No. F. C. H.》沒有複製同樣的直接視覺效果，草間彌生先用橙紅塗滿畫布，再用短促的筆觸，一筆一筆地畫上彩藍弧線。橙紅常被當作主色調，草間彌生破格地把它作為基底，色彩本身鮮明奪目的特質，令它與繪於上層的彩藍爭持不下，兩者同樣突出，沒有明顯的強弱差別。觀者的眼睛無法直接判斷主與次的關係，兩種顏色在畫布上相互交錯，令人的視線隨之躍動。目不暇給的視覺感受有如點描法的用色方法( 圖1)，將事物還原為基本色點，近看之下是一個又一個的獨立色點，遠看之下它們卻組成一幅流光溢彩的優美畫作。草間彌生巧妙將「藍與紅」兩種強烈色彩並置，它們彷似舞台上各領風騷的主角，形成張力十足的畫面。
《No. F. C. H.》的網眼或大或小，動勢各異，這也許會令人聯想到歐普藝術的幻覺效果 ( 圖2)。歐普藝術用嚴謹的科學設計來組合形狀與色彩，構思與下筆均一絲不苟，以精密的計算混淆觀者的視覺。草間彌生的創作方法恰恰與之相反，她百份百地保留作品中的手繪感，使每一筆都散發另類的生命力，讓觀者得以追隨這些痕跡，感受到畫家當時運筆的力度、快慢與向。此外，當時有不少前衛藝術家都積極探求在作品中使用大量重覆元素，如零群藝術家Günter Uecker 的釘子畫作( 圖3)、普普藝術家羅伊‧ 利希滕斯坦在作品中加入來自網版印刷的圓點等，不過草間彌生的筆觸處理並非不帶感情而機械地重覆。這種特質，油彩充滿厚薄變化，在畫面留下不同的肌理層次，配合不規則的疏密變化。如此有機的抽象圖案使作品彷如擁有生生不息的自然力量，引領觀者進入草間彌生所構築的獨特視覺體驗。
草間彌生自小飽受幻覺困擾，經常突然看見眼前的所有事物被不同的圖案湮沒，驅使她投入視覺藝術創作，成功將困擾自己的幻覺發展成系統的視覺語言。她以圖像和筆觸挑動觀者的潛意識，令這張網像細胞般增生、繁殖，彷彿快要衝破畫布的界限，成為無限延伸的空間，傳達追求「自我消融」的世界觀。她希望透過筆下的圓點或網格將身邊一切消融，昇華到永恆的境界。打破二維空間的概念令人聯想起封塔納的創作，他在畫布打孔或劃出刀痕，超越平面繪畫的原有維度，製造全新的空間。事實上，草間彌生在六十年代多次獲邀到歐洲，參與前衛藝術團體「零群」等的展覽，與封塔納及克萊因等重要藝術家同場展出。
藝術史學家Lynn Zelevansky 在「Love Forever」的圖錄中撰文討論草間彌生紐約時期的創作，她認為草間彌生卓越地將本來十分個人化的語言改造，呼應當下的環境。她指出圓點及網格主題於日本時期的水彩畫作中早已出現，不過當草間彌生抵達紐約後，當地的藝術氛圍令這些主題加快發展至成熟階段，「無限之網」預示了當時仍屬起始階段的重複元素及單色美學之流行，更在抽象表現主義和極簡主義這兩個極端之間築起橋樑，既兼顧前者對筆觸效果的追求，又吻合後者對簡化視覺元素的關注。這段評論不但點出草間彌生在藝術史上的定位，同時概括「無限之
網」在其藝術生涯的重要性。
時至今日，草間彌生無論於學術還是市場領域都取得極高成就，作品在全球展出，是舉足輕重的國際當代女性藝術家。她的私人美術館更已於2017 年10 月在日本東京盛大開幕，吸引來自世界各地的藝術愛好者參觀。沿著《No. F. C. H.》裡每一下提與按的痕跡，觀者彷彿回到當年的紐約，感受草間彌生手中的每一筆，回溯這位「波點女王」的原始創作基石。
草間彌生自1975 年歸國後在國際藝壇相對沈寂，這次回顧式的 大型展覽令她重回世界藝術中心的目光，饒富意義。《No. F. C. H.》( 拍品編號 39) 便是展覽中十一件「無限之網」系列油畫作品之一，曾於如此重要的展覽中巡迴兩地展出，由私人收藏家珍藏後便從未在市場曝光。畫作完成於1960 年，時值這個標誌性系列的始創期，被公認為奠定草間彌生往後藝術發展的里啟碑式創作，無疑是藝術家經典傑作。
「無限之網」系列大量運用反差強烈的色彩，如「紅與黑」、「黃與黑」或「綠與黑」等，利用沉穩的黑色，烘托另一色彩的鮮明網紋。底與面的關係分明，《No. F. C. H.》沒有複製同樣的直接視覺效果，草間彌生先用橙紅塗滿畫布，再用短促的筆觸，一筆一筆地畫上彩藍弧線。橙紅常被當作主色調，草間彌生破格地把它作為基底，色彩本身鮮明奪目的特質，令它與繪於上層的彩藍爭持不下，兩者同樣突出，沒有明顯的強弱差別。觀者的眼睛無法直接判斷主與次的關係，兩種顏色在畫布上相互交錯，令人的視線隨之躍動。目不暇給的視覺感受有如點描法的用色方法( 圖1)，將事物還原為基本色點，近看之下是一個又一個的獨立色點，遠看之下它們卻組成一幅流光溢彩的優美畫作。草間彌生巧妙將「藍與紅」兩種強烈色彩並置，它們彷似舞台上各領風騷的主角，形成張力十足的畫面。
《No. F. C. H.》的網眼或大或小，動勢各異，這也許會令人聯想到歐普藝術的幻覺效果 ( 圖2)。歐普藝術用嚴謹的科學設計來組合形狀與色彩，構思與下筆均一絲不苟，以精密的計算混淆觀者的視覺。草間彌生的創作方法恰恰與之相反，她百份百地保留作品中的手繪感，使每一筆都散發另類的生命力，讓觀者得以追隨這些痕跡，感受到畫家當時運筆的力度、快慢與向。此外，當時有不少前衛藝術家都積極探求在作品中使用大量重覆元素，如零群藝術家Günter Uecker 的釘子畫作( 圖3)、普普藝術家羅伊‧ 利希滕斯坦在作品中加入來自網版印刷的圓點等，不過草間彌生的筆觸處理並非不帶感情而機械地重覆。這種特質，油彩充滿厚薄變化，在畫面留下不同的肌理層次，配合不規則的疏密變化。如此有機的抽象圖案使作品彷如擁有生生不息的自然力量，引領觀者進入草間彌生所構築的獨特視覺體驗。
草間彌生自小飽受幻覺困擾，經常突然看見眼前的所有事物被不同的圖案湮沒，驅使她投入視覺藝術創作，成功將困擾自己的幻覺發展成系統的視覺語言。她以圖像和筆觸挑動觀者的潛意識，令這張網像細胞般增生、繁殖，彷彿快要衝破畫布的界限，成為無限延伸的空間，傳達追求「自我消融」的世界觀。她希望透過筆下的圓點或網格將身邊一切消融，昇華到永恆的境界。打破二維空間的概念令人聯想起封塔納的創作，他在畫布打孔或劃出刀痕，超越平面繪畫的原有維度，製造全新的空間。事實上，草間彌生在六十年代多次獲邀到歐洲，參與前衛藝術團體「零群」等的展覽，與封塔納及克萊因等重要藝術家同場展出。
藝術史學家Lynn Zelevansky 在「Love Forever」的圖錄中撰文討論草間彌生紐約時期的創作，她認為草間彌生卓越地將本來十分個人化的語言改造，呼應當下的環境。她指出圓點及網格主題於日本時期的水彩畫作中早已出現，不過當草間彌生抵達紐約後，當地的藝術氛圍令這些主題加快發展至成熟階段，「無限之網」預示了當時仍屬起始階段的重複元素及單色美學之流行，更在抽象表現主義和極簡主義這兩個極端之間築起橋樑，既兼顧前者對筆觸效果的追求，又吻合後者對簡化視覺元素的關注。這段評論不但點出草間彌生在藝術史上的定位，同時概括「無限之
網」在其藝術生涯的重要性。
時至今日，草間彌生無論於學術還是市場領域都取得極高成就，作品在全球展出，是舉足輕重的國際當代女性藝術家。她的私人美術館更已於2017 年10 月在日本東京盛大開幕，吸引來自世界各地的藝術愛好者參觀。沿著《No. F. C. H.》裡每一下提與按的痕跡，觀者彷彿回到當年的紐約，感受草間彌生手中的每一筆，回溯這位「波點女王」的原始創作基石。