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拍品專文
朴栖甫是單色畫運動最具影響力的推手之一，該運動在整個七零與八零年代主導韓國藝術圈的走向。朴栖甫本身魅力十足並能創作出極具深度的作品，他對於抽象脈絡的哲學議題的探討更是對整個運動的建立有著重要的貢獻。經由風格與技法的持續實驗，朴栖甫超越視覺抽象的觀點，透過反映出自己內心的想法重新詮釋自然。他的繪畫宗旨在於與自然融為一體，並且從所創作出的單色平面回歸到自然。
朴栖甫曾說：「我的畫作其實更貼近東方傳統與其所欲彰顯的精神性空間概念。我對於透過自然角度所描繪的空間意象感到趣味盎然。」而在他超過六十年的藝術生涯中所創作出的作品也一直持續地蘊含著他對於自然以及藝術的哲思。介於繪畫、寫作以及速寫，朴栖甫透過創作呈現出一種新的語言，不被風格歸類所束縛，並且注滿了源自大自然的韻律。
這幅作品精妙之處，在於它是一片純單色的領域，卻印刻著抒情唯美、上下起伏的文字。《描法第25-73 號》（Écriture No. 25-73），是朴栖甫深具開創性的同名系列作品中主要的早期作品。藝術家利用鉛筆在一層厚塗、仍舊濕潤的顏料中勾描，刻劃出一系列具有節奏感的圖形線條；在他原本空白的畫面上，耕犁出一條條的溝槽與轍紋。白色顏料在縫隙中閃閃發光，並如光束一般，不斷地穿透斑駁的表面。如同這幅作品集其系列之大成，朴栖甫在1970 年代的《描法》系列中展現的高度專注力，以緊密重複的印記呈現出來。受到特殊塗寫風格的啟發，朴栖甫在六零年代末期於韓國重新再次著手創作《描法》這個著名的系列。他藉如此獨特的創作方式，於畫布上乘興遨遊超過數十載，在歲月的梳刷下累積出深度和視覺張力。朴氏透過不同媒材、色彩與風格的轉換持續演進，使作品更臻成熟完整。朴栖甫在《描法》系列中的早期作品，透過線條累積繁複層次，呈現出東方書法的迷人之處。熟知單色畫運動的知名學者奇廷泫表示：「過往與現在的不同時態在朴栖甫的心中徜徉，促使他創作如今最廣為人知的《描法》系列。他嫻熟的水墨畫技藝是如此顯而易見；於1969年所創作的代表性作品更是展露出承襲自書法傳統的流暢線條。」
韓文「Dansaekhwa」大致可翻譯成「單色畫」。在朴栖甫的《描法》系列作品中，可找到其最純粹的表現形式之一。在1970 年代，為了超越軍事獨裁統治所強加的文化界限，朴栖甫既微妙又蘊含象徵意義的視覺想像，是在此重大政治和社會變革時期，所出現的最有影響力的作品之一。與同時期的李禹煥和尹亨根等藝術家一樣，朴栖甫也在尋求一種將東方與西方技巧、媒體與哲學相互結合的新抽象形式。他的直觀線性技巧（在韓文中被稱為「myobop」或「繪畫法則」）嘗試消除各種形態的意識表徵，以引導出肉體和心靈的自然能量。在這個過中，朴栖甫發起了前所未有的跨文化對話：把當代西方藝術家將線條視為形而上的表現方式（最著名的是塞‧ 湯伯利），與其祖國韓國沉靜冥思的書法傳統之間展開對話。這個介於繪畫、書寫、與描繪之間的對話，見證了一種新語言的誕生：一種不受任何形式類別所限制、並融合自然之共同節奏的語言。
每幅《描法》都在一氣呵成之下創作而成，並各自產生獨特的圖案，往畫紙的最邊緣開展。朴栖甫的線條充滿無窮的潛力，被藝術家本人形容是「手的旅程」：一種源自於神經元和身體的衝動，進而成為躍動、自然演進的痕跡。朴栖甫深受佛教和道學的啟發，並為「藝術家是靈性與存在真理之器皿」的思想所著迷。「我對從自然角度來看的空間更感興趣，」他解釋說。「…我想減少作品裡的想法和情感，就是為了表達那個思想。我想一減再減，創造出純粹的空虛。這是東方哲學中仍然存在的一種古老價值觀，也就是天人合一。」
透過消除作品中所有的內容感，朴栖甫使自己得以與媒介合而為一：藝術家、鉛筆、及其作品表面變得密不可分。畫布成為活生生、會呼吸的存在：它一個暫時的平面，但在此平面上，可見到意識難以形容的形態。朴栖甫對白色的運用，更增強了這種效果 — 白色是一種無空間的色彩，象徵非物質。朴栖甫的圖形線圈像山脈或不斷的洶湧波濤一樣在畫紙上展開，將他的空曠景象轉化成能量和感覺的寶庫：這是對自然無形力量的一種投射，是我們存在於虛空之上所留下的痕跡與標記的意象。時間的空白深淵因受創留疤、漣漪不斷，並被運行的宇宙所驅動，但在此 — 短暫地 — 被物化呈現。
朴栖甫曾說：「我的畫作其實更貼近東方傳統與其所欲彰顯的精神性空間概念。我對於透過自然角度所描繪的空間意象感到趣味盎然。」而在他超過六十年的藝術生涯中所創作出的作品也一直持續地蘊含著他對於自然以及藝術的哲思。介於繪畫、寫作以及速寫，朴栖甫透過創作呈現出一種新的語言，不被風格歸類所束縛，並且注滿了源自大自然的韻律。
這幅作品精妙之處，在於它是一片純單色的領域，卻印刻著抒情唯美、上下起伏的文字。《描法第25-73 號》（Écriture No. 25-73），是朴栖甫深具開創性的同名系列作品中主要的早期作品。藝術家利用鉛筆在一層厚塗、仍舊濕潤的顏料中勾描，刻劃出一系列具有節奏感的圖形線條；在他原本空白的畫面上，耕犁出一條條的溝槽與轍紋。白色顏料在縫隙中閃閃發光，並如光束一般，不斷地穿透斑駁的表面。如同這幅作品集其系列之大成，朴栖甫在1970 年代的《描法》系列中展現的高度專注力，以緊密重複的印記呈現出來。受到特殊塗寫風格的啟發，朴栖甫在六零年代末期於韓國重新再次著手創作《描法》這個著名的系列。他藉如此獨特的創作方式，於畫布上乘興遨遊超過數十載，在歲月的梳刷下累積出深度和視覺張力。朴氏透過不同媒材、色彩與風格的轉換持續演進，使作品更臻成熟完整。朴栖甫在《描法》系列中的早期作品，透過線條累積繁複層次，呈現出東方書法的迷人之處。熟知單色畫運動的知名學者奇廷泫表示：「過往與現在的不同時態在朴栖甫的心中徜徉，促使他創作如今最廣為人知的《描法》系列。他嫻熟的水墨畫技藝是如此顯而易見；於1969年所創作的代表性作品更是展露出承襲自書法傳統的流暢線條。」
韓文「Dansaekhwa」大致可翻譯成「單色畫」。在朴栖甫的《描法》系列作品中，可找到其最純粹的表現形式之一。在1970 年代，為了超越軍事獨裁統治所強加的文化界限，朴栖甫既微妙又蘊含象徵意義的視覺想像，是在此重大政治和社會變革時期，所出現的最有影響力的作品之一。與同時期的李禹煥和尹亨根等藝術家一樣，朴栖甫也在尋求一種將東方與西方技巧、媒體與哲學相互結合的新抽象形式。他的直觀線性技巧（在韓文中被稱為「myobop」或「繪畫法則」）嘗試消除各種形態的意識表徵，以引導出肉體和心靈的自然能量。在這個過中，朴栖甫發起了前所未有的跨文化對話：把當代西方藝術家將線條視為形而上的表現方式（最著名的是塞‧ 湯伯利），與其祖國韓國沉靜冥思的書法傳統之間展開對話。這個介於繪畫、書寫、與描繪之間的對話，見證了一種新語言的誕生：一種不受任何形式類別所限制、並融合自然之共同節奏的語言。
每幅《描法》都在一氣呵成之下創作而成，並各自產生獨特的圖案，往畫紙的最邊緣開展。朴栖甫的線條充滿無窮的潛力，被藝術家本人形容是「手的旅程」：一種源自於神經元和身體的衝動，進而成為躍動、自然演進的痕跡。朴栖甫深受佛教和道學的啟發，並為「藝術家是靈性與存在真理之器皿」的思想所著迷。「我對從自然角度來看的空間更感興趣，」他解釋說。「…我想減少作品裡的想法和情感，就是為了表達那個思想。我想一減再減，創造出純粹的空虛。這是東方哲學中仍然存在的一種古老價值觀，也就是天人合一。」
透過消除作品中所有的內容感，朴栖甫使自己得以與媒介合而為一：藝術家、鉛筆、及其作品表面變得密不可分。畫布成為活生生、會呼吸的存在：它一個暫時的平面，但在此平面上，可見到意識難以形容的形態。朴栖甫對白色的運用，更增強了這種效果 — 白色是一種無空間的色彩，象徵非物質。朴栖甫的圖形線圈像山脈或不斷的洶湧波濤一樣在畫紙上展開，將他的空曠景象轉化成能量和感覺的寶庫：這是對自然無形力量的一種投射，是我們存在於虛空之上所留下的痕跡與標記的意象。時間的空白深淵因受創留疤、漣漪不斷，並被運行的宇宙所驅動，但在此 — 短暫地 — 被物化呈現。