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Lot Essay
Cette oeuvre est référencée aux archives Serge Poliakoff sous le No. 954066.
This work by Serge Poliakoff, produced in 1952, is a fine example of the culmination of the artist's pictorial research from the 1940s which defined his personal style.
In this composition, we find the silent balance the artist was striving for in the elaboration of an abstract vocabulary far removed from pure geometry (which was very fashionable after the war) or the lyrical abstraction which marked his rise in the 1950s.
His work involves composing with form and colour to achieve a balance of mass.
We often hear about the artist's attraction to the Russian icons of his childhood which, probably indirectly, influenced his research into the composition of the painting.
We more rarely hear about the more direct influence of the work of Giotto and the Scrovegni chapel which he visited several times, including a few months before his death.
In the frescoes by Giotto, Poliakoff found the answer to his questions about the balance and solemnity of shapes as well as the sacred effect of painting.
It is to him that he owes the balance of mass with which he constructs his works, along with his work on colour of course.
Although he sketched his composition before painting, we could compare his work to Renaissance fresco painters who would outline shapes on any flat surface with a brown tint then produce the fresco rapidly, attacking the composition from every angle and finishing in the centre to comply with the particular way in which egg tempera dries.
Like them, Poliakoff prepared his paints himself using pure pigments and bonding agents. He also drew inspiration from the old masters when preparing his medium. This meant that colour became the material for the painting and its main component.
This work from 1952 reflects the process of assimilation of Giotto's works: the balanced composition, firm and silent; the blocks of colour with rounded edges, with vibrant tints obtained by superimposing layers of colour; the almost floating pictorial space, giving an impression of serenity.
Right up to the end, Serge Poliakoff believed, as Giotto did before him, that the work is not merely a representation, but rather a meditation on the balance of forms and aesthetic contemplation.
Réalisée en 1954, Jaune, rouge, noir et rose pâle de Serge Poliakoff reflète admirablement l'aboutissement des recherches picturales entreprises par l'artiste depuis la fin des années 1940, qui définissent son style personnel.
Dans cette composition, nous retrouvons l'équilibre silencieux auquel tend l'artiste dans l'élaboration d'un vocabulaire abstrait éloigné de la pure géométrie (très en vogue après la guerre) ou de l'abstraction lyrique qui connaît son essor dans les années 1950.
Son travail consiste à composer à la fois avec la forme et la couleur pour parvenir à un équilibre des masses.
Il a souvent été fait mention de l'attrait qu'avait l'artiste pour les icônes russes de son enfance et qui, de façon probablement indirecte, ont influencé ses recherches sur la composition du tableau.
On parle moins souvent de l'influence, plus tangible, des oeuvres de Giotto et de la chapelle Scrovegni qu'il visita à plusieurs reprises, dont quelques mois avant sa mort.
Serge Poliakoff trouve dans les fresques de Giotto la réponse à son questionnement sur l'équilibre et la solennité des formes ainsi que sur la portée sacrée de la peinture.
C'est à lui qu'il emprunte l'équilibre des masses qui construisent ces oeuvres et bien sûr le travail sur la couleur.
Bien qu'esquissant sa composition avant de peindre, on pourrait comparer son travail aux fresquistes de la Renaissance qui, sur une surface plane donnée, dessinaient quelques formes au lavis brun puis travaillaient la fresque rapidement en attaquant la composition par tous les angles et en terminant par le centre pour respecter le séchage particulier de la tempera à l'oeuf.
Comme eux, Serge Poliakoff prépare lui-même ses peintures à base de pigments purs et de liants; il travaille aussi son support en s'inspirant des maîtres anciens. La couleur devient ainsi la matière du tableau et son composant principal.
Cette oeuvre de 1954 reflète le processus d'imprégnation des oeuvres de Giotto: la composition équilibrée, ferme et silencieuse; les aplats de couleurs; l'espace pictural preque flottant, dégageant un sentiment de sérénité.
Jusqu'à la fin, Serge Poliakoff aura à l'esprit, comme Giotto en son temps, que l'oeuvre n'est pas seulement une représentation, mais plutôt une méditation sur l'équilibre des formes et la contemplation esthétique.
This work by Serge Poliakoff, produced in 1952, is a fine example of the culmination of the artist's pictorial research from the 1940s which defined his personal style.
In this composition, we find the silent balance the artist was striving for in the elaboration of an abstract vocabulary far removed from pure geometry (which was very fashionable after the war) or the lyrical abstraction which marked his rise in the 1950s.
His work involves composing with form and colour to achieve a balance of mass.
We often hear about the artist's attraction to the Russian icons of his childhood which, probably indirectly, influenced his research into the composition of the painting.
We more rarely hear about the more direct influence of the work of Giotto and the Scrovegni chapel which he visited several times, including a few months before his death.
In the frescoes by Giotto, Poliakoff found the answer to his questions about the balance and solemnity of shapes as well as the sacred effect of painting.
It is to him that he owes the balance of mass with which he constructs his works, along with his work on colour of course.
Although he sketched his composition before painting, we could compare his work to Renaissance fresco painters who would outline shapes on any flat surface with a brown tint then produce the fresco rapidly, attacking the composition from every angle and finishing in the centre to comply with the particular way in which egg tempera dries.
Like them, Poliakoff prepared his paints himself using pure pigments and bonding agents. He also drew inspiration from the old masters when preparing his medium. This meant that colour became the material for the painting and its main component.
This work from 1952 reflects the process of assimilation of Giotto's works: the balanced composition, firm and silent; the blocks of colour with rounded edges, with vibrant tints obtained by superimposing layers of colour; the almost floating pictorial space, giving an impression of serenity.
Right up to the end, Serge Poliakoff believed, as Giotto did before him, that the work is not merely a representation, but rather a meditation on the balance of forms and aesthetic contemplation.
Réalisée en 1954, Jaune, rouge, noir et rose pâle de Serge Poliakoff reflète admirablement l'aboutissement des recherches picturales entreprises par l'artiste depuis la fin des années 1940, qui définissent son style personnel.
Dans cette composition, nous retrouvons l'équilibre silencieux auquel tend l'artiste dans l'élaboration d'un vocabulaire abstrait éloigné de la pure géométrie (très en vogue après la guerre) ou de l'abstraction lyrique qui connaît son essor dans les années 1950.
Son travail consiste à composer à la fois avec la forme et la couleur pour parvenir à un équilibre des masses.
Il a souvent été fait mention de l'attrait qu'avait l'artiste pour les icônes russes de son enfance et qui, de façon probablement indirecte, ont influencé ses recherches sur la composition du tableau.
On parle moins souvent de l'influence, plus tangible, des oeuvres de Giotto et de la chapelle Scrovegni qu'il visita à plusieurs reprises, dont quelques mois avant sa mort.
Serge Poliakoff trouve dans les fresques de Giotto la réponse à son questionnement sur l'équilibre et la solennité des formes ainsi que sur la portée sacrée de la peinture.
C'est à lui qu'il emprunte l'équilibre des masses qui construisent ces oeuvres et bien sûr le travail sur la couleur.
Bien qu'esquissant sa composition avant de peindre, on pourrait comparer son travail aux fresquistes de la Renaissance qui, sur une surface plane donnée, dessinaient quelques formes au lavis brun puis travaillaient la fresque rapidement en attaquant la composition par tous les angles et en terminant par le centre pour respecter le séchage particulier de la tempera à l'oeuf.
Comme eux, Serge Poliakoff prépare lui-même ses peintures à base de pigments purs et de liants; il travaille aussi son support en s'inspirant des maîtres anciens. La couleur devient ainsi la matière du tableau et son composant principal.
Cette oeuvre de 1954 reflète le processus d'imprégnation des oeuvres de Giotto: la composition équilibrée, ferme et silencieuse; les aplats de couleurs; l'espace pictural preque flottant, dégageant un sentiment de sérénité.
Jusqu'à la fin, Serge Poliakoff aura à l'esprit, comme Giotto en son temps, que l'oeuvre n'est pas seulement une représentation, mais plutôt une méditation sur l'équilibre des formes et la contemplation esthétique.