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拍品專文
« Nous sommes capables d'entendre un seul son.
Mais nous ne voyons presque jamais (c'est-à-dire sans dispositifs spéciaux) une seule couleur sans lien et sans rapport avec d'autres couleurs.
Les couleurs se présentent en flux continu, en relation constante avec des voisins et des conditions changeantes. »
"We are able to hear a single tone.
But we almost never (that is without special devises) see a single color unconnected and unrelated to other colors.
Colors present themselves in continuous flux, constantly related to changing neighbors and changing conditions."
Josef Albers
Du carré de Léonard de Vinci pour les proportions exactes de l’Homme de Vitruve aux carrés de Malévitch, les carrés de Josef Albers font eux partie d’une toute autre dimension, baignés dans la couleur. Mettant l’accent sur la perception visuelle, ils prennent place parmi les rangs de la géométrie dans l’art et reflètent l’ambition phare de Josef Albers, celle d’une clarté méthodique colorée et géométrique, qu’il exploite aussi bien dans la peinture que dans le design, l’architecture ou l’enseignement au Bauhaus de Weimar à Dessau.
Josef Albers va au-delà d’une simple série visant à mettre la couleur en avant de la scène. Son Hommage au carré qu’il débute en 1949 et poursuit tout au long de sa vie incarne son rôle majeur de théoricien dans l’histoire de l’art moderne et contemporaine.
Parmi toutes les couleurs qu’il interprète, le rouge est le plus révélateur de son œuvre, à l’image de R-I d-1 [Homage to the Square] mis à l’honneur au Metropolitan Museum of Art à New York, à la Jack Pollock Gallery puis à la Kunsthalle Düsseldorf. Souvenir vif de ses voyages au Mexique depuis 1935 qui lui provoquent un réel choc des couleurs, ce dernier reflète son attrait pour l’intensité et la flamboyance. Il souligne également son goût pour l’onctuosité de la matière combinée à l’objectivité des carrés et à l’effet psychique de leurs imbrications. Les nuances de ces rouges, vermillons, corails, pourpres, amarantes, bordeaux ou ocres migrent alors entre la finesse de leurs frontières.
Josef Albers exploite ainsi leurs limites, performances et mouvements. Il créé un réel dialogue entre la profondeur et la vibration des formes colorées envoutantes et le grain de l’isorel qui nous assoit à la lisière de l’œuvre. C’est un effet de va et vient dansant, presque hypnotisant, entre le premier et le dernier carré, qui anime ici le tableau; Josef Albers parle lui de Color Acting.
From Leonardo da Vinci's square portraying the accurate proportions of the Vitruvian Man to Malevitch's squares, the squares of Josef Albers are of an entirely different register, awash in colour. With their emphasis on visual perception, they have a place among the ranks of geometrical depictions in art. These squares illustrate Josef Albers's enduring quest to achieve methodical clarity of colour and geometry, which he pursued in painting, as well as in design, architecture and teaching at the Bauhaus in Weimar and Dessau.
Josef Albers goes beyond a simple series trying to bring colour to the forefront. His Homage to the square which he debuted in 1949 and continued working on throughout his life, encapsulates the major role he played as a theoretician in modern and contemporary art history. Among all the colours he interpreted, red is the most revelatory in his body of work, as with R-I d-1 [Homage to the Square], featured at the Metropolitan Museum of Art in New York, at the Jack Pollock Gallery, then at Kunsthalle Düsseldorf. It reflects his attraction to intensity and flamboyance, while serving as a vibrant souvenir of his travels in Mexico, whose colours astounded him from his first trip in 1935. It also underlines his taste for thickly textured matter combined with the objectivity of squares and the psychological effect of their nesting. The shades of red here ‒ vermilion, coral, crimson, amaranth, burgundy, ochre ‒ migrate across their thin borders.
Josef Albers harnesses their limits, performance and movements. He creates a real dialogue between the depth and the vibration of the bewitching, coloured forms and the grain of the Masonite that plants us firmly at the edge of the work. The back-and-forth between the first and last square is a near-hypnotic dance that suffuses the painting with life. Josef Albers referred to it as Color Acting.
Mais nous ne voyons presque jamais (c'est-à-dire sans dispositifs spéciaux) une seule couleur sans lien et sans rapport avec d'autres couleurs.
Les couleurs se présentent en flux continu, en relation constante avec des voisins et des conditions changeantes. »
"We are able to hear a single tone.
But we almost never (that is without special devises) see a single color unconnected and unrelated to other colors.
Colors present themselves in continuous flux, constantly related to changing neighbors and changing conditions."
Josef Albers
Du carré de Léonard de Vinci pour les proportions exactes de l’Homme de Vitruve aux carrés de Malévitch, les carrés de Josef Albers font eux partie d’une toute autre dimension, baignés dans la couleur. Mettant l’accent sur la perception visuelle, ils prennent place parmi les rangs de la géométrie dans l’art et reflètent l’ambition phare de Josef Albers, celle d’une clarté méthodique colorée et géométrique, qu’il exploite aussi bien dans la peinture que dans le design, l’architecture ou l’enseignement au Bauhaus de Weimar à Dessau.
Josef Albers va au-delà d’une simple série visant à mettre la couleur en avant de la scène. Son Hommage au carré qu’il débute en 1949 et poursuit tout au long de sa vie incarne son rôle majeur de théoricien dans l’histoire de l’art moderne et contemporaine.
Parmi toutes les couleurs qu’il interprète, le rouge est le plus révélateur de son œuvre, à l’image de R-I d-1 [Homage to the Square] mis à l’honneur au Metropolitan Museum of Art à New York, à la Jack Pollock Gallery puis à la Kunsthalle Düsseldorf. Souvenir vif de ses voyages au Mexique depuis 1935 qui lui provoquent un réel choc des couleurs, ce dernier reflète son attrait pour l’intensité et la flamboyance. Il souligne également son goût pour l’onctuosité de la matière combinée à l’objectivité des carrés et à l’effet psychique de leurs imbrications. Les nuances de ces rouges, vermillons, corails, pourpres, amarantes, bordeaux ou ocres migrent alors entre la finesse de leurs frontières.
Josef Albers exploite ainsi leurs limites, performances et mouvements. Il créé un réel dialogue entre la profondeur et la vibration des formes colorées envoutantes et le grain de l’isorel qui nous assoit à la lisière de l’œuvre. C’est un effet de va et vient dansant, presque hypnotisant, entre le premier et le dernier carré, qui anime ici le tableau; Josef Albers parle lui de Color Acting.
From Leonardo da Vinci's square portraying the accurate proportions of the Vitruvian Man to Malevitch's squares, the squares of Josef Albers are of an entirely different register, awash in colour. With their emphasis on visual perception, they have a place among the ranks of geometrical depictions in art. These squares illustrate Josef Albers's enduring quest to achieve methodical clarity of colour and geometry, which he pursued in painting, as well as in design, architecture and teaching at the Bauhaus in Weimar and Dessau.
Josef Albers goes beyond a simple series trying to bring colour to the forefront. His Homage to the square which he debuted in 1949 and continued working on throughout his life, encapsulates the major role he played as a theoretician in modern and contemporary art history. Among all the colours he interpreted, red is the most revelatory in his body of work, as with R-I d-1 [Homage to the Square], featured at the Metropolitan Museum of Art in New York, at the Jack Pollock Gallery, then at Kunsthalle Düsseldorf. It reflects his attraction to intensity and flamboyance, while serving as a vibrant souvenir of his travels in Mexico, whose colours astounded him from his first trip in 1935. It also underlines his taste for thickly textured matter combined with the objectivity of squares and the psychological effect of their nesting. The shades of red here ‒ vermilion, coral, crimson, amaranth, burgundy, ochre ‒ migrate across their thin borders.
Josef Albers harnesses their limits, performance and movements. He creates a real dialogue between the depth and the vibration of the bewitching, coloured forms and the grain of the Masonite that plants us firmly at the edge of the work. The back-and-forth between the first and last square is a near-hypnotic dance that suffuses the painting with life. Josef Albers referred to it as Color Acting.