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拍品專文
「紙材不僅必須有生命力，更必須是波瀾起伏的。空氣中的濕度深深影響著油畫作品，如其呼吸、心跳與脈動，畫面因而隨之起伏。我作品的目的並非在呈現最終結果，而是記錄下創作的歷程。」
─ 鄭相和
鄭相和於六十年代末到巴黎探索西方藝術後，七十年代初期輾轉定居日本神戶，並在這段期間開創了獨特的「剝離」及「回填」手法。他以無數條水平、斜角、垂直的線條組合成一塊塊的方格，為平凡的畫布表面刻劃出凹凸有序的立體感。他先用高嶺土、水和膠混合而成的塗料平均塗滿整塊畫布，然後靜置一段時間風乾。等這一層厚厚的塗料完全乾燥之後，將畫布從木框上拆下，在畫布背面畫上一格格水平和垂直線交錯而成的方格，然後按照線條的紋理將畫布對摺又對摺，再挖掉特定方格中的顏料，最後再以壓克力顏料一層層填滿被挖空的方格。鄭相和不斷重複「剝離」又「回填」，一直到「刪減」與「增加」兩種狀態達到完美的平衡點為止。鄭相和在不斷往返的過程中，將自己的姿態，甚至鼻息，盡情地注入藝術作品中。作品的生命力引動觀者對畫面強烈的觸摸感，而這也是光線舞動所產生的效果。
鄭相和的單色繪畫透過近乎儀式般的重複動作，創造出無止無盡的時間與存在。飛利浦•彼捷特表示，鄭相和的畫作因其內心奔放、大方、無所畏懼地向顯露的空間敞開視野，所以具有深奧、莊嚴的存在感。彼捷特道：「鄭相和創作的方式，讓人覺得他的作品好像主動呈現在你眼前，畫家欲揭示一種雙重存在性──世界最核心的本質存在，以及藝術家自身最強烈的存在。主導畫面結構的方格受到兩者的影響，一則是生命力的一般概念的線，二則是網格的概念。而作品的單色性質，則是其充斥更高色調力度的原因，單色調也將一種近乎存在的音色銘鑄在創作題材上，進而確保每一幅作品都有近乎無限的變化性。鄭相和作品的不僅煞費苦心（應以正向的角度解讀此處之「苦」），更是具有張力、旋律，還潛藏一種能讓畫作免於單調呆版的視覺變奏的調性。」
創作過程中的不停歇的重複性，讓鄭相和的作品更加耐人尋味。他的畫布不只是個容納重複幾何圖形的空間，而是吸引觀者陷入深沉的冥想。鄭相和那充滿魔幻張力的作品 (Lot 4)，誠如韓國藝評家Chae Ok-Yang所形容之：「一個顏色根據藝術家在凹凸紙張上的用量多寡，會產生截然不同的質感變化。鄭相和藝術的魅力來自於豐富的明度與彩度變化，而非其單一色彩的平面空間。」歐洲知名策展人與藝評家Lóránd Hegyi點出鄭相和的畫作呈現出自然、中性和物質實體，毫無刻意造作 (圖1，2)、專斷或教條式的言說，並曾對鄭相和的作品有此評論：「觀者若能仔細觀察畫布表面細膩的視覺紋理，發掘藝術家低調的加工手法，以及平面與立體交錯而成的結構，就愈能夠領會藝術家所要表達的冥想與情感面，也就是作品背後的詩意。」
鄭相和自己則說：「最後的完成品並非我創作的目標，而是我創作過程的展現。」鄭相和的創作過程呼應了傳統中國文人水墨畫所強調創作乃心靈洗滌與自我鞭策的方式。因此，他獨特的冥想式畫作在體現著水墨畫的傳統。他畢生目標就是為開發新形式的抽象畫，以作為建構自我身份的媒介。
自六十年代末起，鄭相和的作品便多次獲邀於國內外各知名藝術場所展出，包括法國聖艾蒂安當代美術館、波蘭波茲南市雙年展、大阪大都會國際藝術館、首爾國立現代美術館，他的作品也被收藏於首爾三星美術館、首爾美術館、東京國立現代藝術館、靜岡縣立美術館以及福岡亞洲美術館等藝文機構。
─ 鄭相和
鄭相和於六十年代末到巴黎探索西方藝術後，七十年代初期輾轉定居日本神戶，並在這段期間開創了獨特的「剝離」及「回填」手法。他以無數條水平、斜角、垂直的線條組合成一塊塊的方格，為平凡的畫布表面刻劃出凹凸有序的立體感。他先用高嶺土、水和膠混合而成的塗料平均塗滿整塊畫布，然後靜置一段時間風乾。等這一層厚厚的塗料完全乾燥之後，將畫布從木框上拆下，在畫布背面畫上一格格水平和垂直線交錯而成的方格，然後按照線條的紋理將畫布對摺又對摺，再挖掉特定方格中的顏料，最後再以壓克力顏料一層層填滿被挖空的方格。鄭相和不斷重複「剝離」又「回填」，一直到「刪減」與「增加」兩種狀態達到完美的平衡點為止。鄭相和在不斷往返的過程中，將自己的姿態，甚至鼻息，盡情地注入藝術作品中。作品的生命力引動觀者對畫面強烈的觸摸感，而這也是光線舞動所產生的效果。
鄭相和的單色繪畫透過近乎儀式般的重複動作，創造出無止無盡的時間與存在。飛利浦•彼捷特表示，鄭相和的畫作因其內心奔放、大方、無所畏懼地向顯露的空間敞開視野，所以具有深奧、莊嚴的存在感。彼捷特道：「鄭相和創作的方式，讓人覺得他的作品好像主動呈現在你眼前，畫家欲揭示一種雙重存在性──世界最核心的本質存在，以及藝術家自身最強烈的存在。主導畫面結構的方格受到兩者的影響，一則是生命力的一般概念的線，二則是網格的概念。而作品的單色性質，則是其充斥更高色調力度的原因，單色調也將一種近乎存在的音色銘鑄在創作題材上，進而確保每一幅作品都有近乎無限的變化性。鄭相和作品的不僅煞費苦心（應以正向的角度解讀此處之「苦」），更是具有張力、旋律，還潛藏一種能讓畫作免於單調呆版的視覺變奏的調性。」
創作過程中的不停歇的重複性，讓鄭相和的作品更加耐人尋味。他的畫布不只是個容納重複幾何圖形的空間，而是吸引觀者陷入深沉的冥想。鄭相和那充滿魔幻張力的作品 (Lot 4)，誠如韓國藝評家Chae Ok-Yang所形容之：「一個顏色根據藝術家在凹凸紙張上的用量多寡，會產生截然不同的質感變化。鄭相和藝術的魅力來自於豐富的明度與彩度變化，而非其單一色彩的平面空間。」歐洲知名策展人與藝評家Lóránd Hegyi點出鄭相和的畫作呈現出自然、中性和物質實體，毫無刻意造作 (圖1，2)、專斷或教條式的言說，並曾對鄭相和的作品有此評論：「觀者若能仔細觀察畫布表面細膩的視覺紋理，發掘藝術家低調的加工手法，以及平面與立體交錯而成的結構，就愈能夠領會藝術家所要表達的冥想與情感面，也就是作品背後的詩意。」
鄭相和自己則說：「最後的完成品並非我創作的目標，而是我創作過程的展現。」鄭相和的創作過程呼應了傳統中國文人水墨畫所強調創作乃心靈洗滌與自我鞭策的方式。因此，他獨特的冥想式畫作在體現著水墨畫的傳統。他畢生目標就是為開發新形式的抽象畫，以作為建構自我身份的媒介。
自六十年代末起，鄭相和的作品便多次獲邀於國內外各知名藝術場所展出，包括法國聖艾蒂安當代美術館、波蘭波茲南市雙年展、大阪大都會國際藝術館、首爾國立現代美術館，他的作品也被收藏於首爾三星美術館、首爾美術館、東京國立現代藝術館、靜岡縣立美術館以及福岡亞洲美術館等藝文機構。