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拍品專文
「單色的羅網佈滿了整個畫布。這種無止無盡的重複製造了某種暈眩、空虛、催眠感…我的羅網超越了我的視界、超越了我用以覆蓋的畫布。這個單色羅網開始在牆壁、天花板、甚至是整個宇宙四處滋生蔓延。我站在這種執迷狀態的中心，檢視著內裡的澎湃增生的重複幻象。」
（草間彌生，引自 L. Hoptman, A. Tatehata, U. Kultermann 所撰的《Yayoi Kusama》 香港，2000 年，第103 頁）
草間彌生的創意想像浩瀚無際，遍達布上繪畫、雕塑、素描、裝置藝術、舞台表演、電影、詩集和小說。她千變萬化的作品不隸屬任何範疇、也無畏衝突的論述。儘管草間彌生向來忠於表達獨立的自我藝術觀，她的多元作品，仍同時涵蓋了二十世紀所有劃時代的藝術里程碑：經濟地使用素材的極簡主義；在作畫時將整個空間「鋪天蓋地」覆滿的抽象表現主義；利用南瓜等日常素材之美學來創作的普普藝術，以及她對大眾媒體以及歐洲新潮流運動所偏重的重複性探索，讓草間彌生成為二次大戰後引領潮流的女性藝術大師。
草間彌生的行為表演與社會緊密連繫，大膽直接且具挑戰性，然而她的文字在在彰顯了深藏的個人文學內觀，她的繪畫則成了精神病症的體現，進而幻化成內在自我一種極為個人化的表達工具。在二次世界大戰這段對藝術家帶來心靈重創的時期，草間彌生開始經歷幻視幻聽的症狀，看見物體周圍不斷重複增生的造型和原點。她回憶道：「紅色桌布上的花紋，當我抬頭觀看時，這些花紋開始從天花板、窗戶、牆壁、到屋子裡各個角落到處蔓延。我覺得自己的身體好像開始在自我吞噬，在無盡的時間流與空間的絕對性中分解，化為烏有。」（Mark Ormond在2002年於邁阿密海灘訪問草間彌生的實錄，第12頁）這個相錯如繡的羅網以單色的背景、迷你拱型構造的半圓形所構成，是草間彌生「無限的網」系列的重心，它展示了藝術家自從十歲起，就持續在種種精神崩裂的危機中所歷經的雙層現實。「無限的網」系列洋溢著一種深遠的靈性維度，代表了藝術家抵達紐約之後所展開的藝術遠征，時序維持了五十年之久且未曾中斷。
《AA2號》(Lot14) 繪於1960年，密實彩亮的圓形圖案佈滿整個畫面，是這著名系列中既華麗且具歷史底蘊的範例。若「無限的網」系列的白色版本傳達的是一種冥思境界，那麼《AA2號》中的紅點就是不斷躍動，讓觀者在眼簾底下所歷經的律動幻象。作品沒有起點，沒有終線，拒絕構圖的窠臼，鋪天蓋地的質性，呼應了美國抽象表現主義大師傑克遜‧波洛克的風格，也是無垠無際的極致表現。作品流露了宇宙的混沌壯闊，或歌詠著原子型態的極微魅影。透過繪畫探險來體現自我，草間彌生從而為觀者提供了一方窗扉，一探世界浩瀚。藝術家的精神症狀啟示了她的藝術創作，成為她的靈感泉源：她的幻覺之旅會領著她衝動不息地創作達四十到五十小時之久，如此過程甚至昇華成一場表演。這些幻聽幻視經驗，從而變成她創作的對象和繆思，讓藝術家和作品融合成一個獨特的存在。草間彌生喜歡在新作品前面拍攝，身穿與作品相呼應的衣飾，令她在這些照片中和繪畫融為一體。這方式顯示了藝術家個性在創作中所佔的重要地位，這正是草間彌生作品的華麗弔詭處。她解釋：「在消融特殊自我的過程中，人就會回到無窮的宇宙中心了。」（她在G. Turner於1999年冬季所撰的《Yayoi Kusama in Bomb》所述，第66頁）她的幻覺在實體的人和環境之間產生了混淆，從而消融了自己，在摧毀實體界限的過程中，她的自我進入了永恆場域。在草間彌生的繪作中，滅絕和浩瀚無垠兩者依歸融合。
為了逃離保守的日本以及威權的母親，27 歲的草間彌生在1958 年來到了紐約曼哈頓。自那時起，直到她1972年返回東京的期間，草間彌生在美國歷經了艱苦的生命試煉，也與美國和歐洲藝壇展開了一場華麗且火花迸射的接觸。1959 年10 月，她在紐約享負盛譽的布拉塔藝廊開辦個人首展。這也是她首次讓世界一睹她「無盡的網」系列的創意場域。《AA2 號》屬於這系列的第一批作品，在首展隔年後所繪，並見證了草間彌生創作的原始基石。
草間彌生五十年來一直受國際藝壇的矚目。除了在1966和1993 年於威尼斯雙年展代表日本參展之外，她的作品也在許多博物館中展出， 包括了洛杉磯郡藝術博物館、紐約當代藝術博物館、明尼亞波里斯市的沃克藝術中心、東京國立近代美術館、巴黎龐畢度中心、以及馬德里國家藝術中心博物館。在2012 至2013 年間，由倫敦泰德當代博物館所舉辦之國際回顧展中，草間彌生也是主角。該展隨後轉到紐約惠特尼美術館繼續進行。
（草間彌生，引自 L. Hoptman, A. Tatehata, U. Kultermann 所撰的《Yayoi Kusama》 香港，2000 年，第103 頁）
草間彌生的創意想像浩瀚無際，遍達布上繪畫、雕塑、素描、裝置藝術、舞台表演、電影、詩集和小說。她千變萬化的作品不隸屬任何範疇、也無畏衝突的論述。儘管草間彌生向來忠於表達獨立的自我藝術觀，她的多元作品，仍同時涵蓋了二十世紀所有劃時代的藝術里程碑：經濟地使用素材的極簡主義；在作畫時將整個空間「鋪天蓋地」覆滿的抽象表現主義；利用南瓜等日常素材之美學來創作的普普藝術，以及她對大眾媒體以及歐洲新潮流運動所偏重的重複性探索，讓草間彌生成為二次大戰後引領潮流的女性藝術大師。
草間彌生的行為表演與社會緊密連繫，大膽直接且具挑戰性，然而她的文字在在彰顯了深藏的個人文學內觀，她的繪畫則成了精神病症的體現，進而幻化成內在自我一種極為個人化的表達工具。在二次世界大戰這段對藝術家帶來心靈重創的時期，草間彌生開始經歷幻視幻聽的症狀，看見物體周圍不斷重複增生的造型和原點。她回憶道：「紅色桌布上的花紋，當我抬頭觀看時，這些花紋開始從天花板、窗戶、牆壁、到屋子裡各個角落到處蔓延。我覺得自己的身體好像開始在自我吞噬，在無盡的時間流與空間的絕對性中分解，化為烏有。」（Mark Ormond在2002年於邁阿密海灘訪問草間彌生的實錄，第12頁）這個相錯如繡的羅網以單色的背景、迷你拱型構造的半圓形所構成，是草間彌生「無限的網」系列的重心，它展示了藝術家自從十歲起，就持續在種種精神崩裂的危機中所歷經的雙層現實。「無限的網」系列洋溢著一種深遠的靈性維度，代表了藝術家抵達紐約之後所展開的藝術遠征，時序維持了五十年之久且未曾中斷。
《AA2號》(Lot14) 繪於1960年，密實彩亮的圓形圖案佈滿整個畫面，是這著名系列中既華麗且具歷史底蘊的範例。若「無限的網」系列的白色版本傳達的是一種冥思境界，那麼《AA2號》中的紅點就是不斷躍動，讓觀者在眼簾底下所歷經的律動幻象。作品沒有起點，沒有終線，拒絕構圖的窠臼，鋪天蓋地的質性，呼應了美國抽象表現主義大師傑克遜‧波洛克的風格，也是無垠無際的極致表現。作品流露了宇宙的混沌壯闊，或歌詠著原子型態的極微魅影。透過繪畫探險來體現自我，草間彌生從而為觀者提供了一方窗扉，一探世界浩瀚。藝術家的精神症狀啟示了她的藝術創作，成為她的靈感泉源：她的幻覺之旅會領著她衝動不息地創作達四十到五十小時之久，如此過程甚至昇華成一場表演。這些幻聽幻視經驗，從而變成她創作的對象和繆思，讓藝術家和作品融合成一個獨特的存在。草間彌生喜歡在新作品前面拍攝，身穿與作品相呼應的衣飾，令她在這些照片中和繪畫融為一體。這方式顯示了藝術家個性在創作中所佔的重要地位，這正是草間彌生作品的華麗弔詭處。她解釋：「在消融特殊自我的過程中，人就會回到無窮的宇宙中心了。」（她在G. Turner於1999年冬季所撰的《Yayoi Kusama in Bomb》所述，第66頁）她的幻覺在實體的人和環境之間產生了混淆，從而消融了自己，在摧毀實體界限的過程中，她的自我進入了永恆場域。在草間彌生的繪作中，滅絕和浩瀚無垠兩者依歸融合。
為了逃離保守的日本以及威權的母親，27 歲的草間彌生在1958 年來到了紐約曼哈頓。自那時起，直到她1972年返回東京的期間，草間彌生在美國歷經了艱苦的生命試煉，也與美國和歐洲藝壇展開了一場華麗且火花迸射的接觸。1959 年10 月，她在紐約享負盛譽的布拉塔藝廊開辦個人首展。這也是她首次讓世界一睹她「無盡的網」系列的創意場域。《AA2 號》屬於這系列的第一批作品，在首展隔年後所繪，並見證了草間彌生創作的原始基石。
草間彌生五十年來一直受國際藝壇的矚目。除了在1966和1993 年於威尼斯雙年展代表日本參展之外，她的作品也在許多博物館中展出， 包括了洛杉磯郡藝術博物館、紐約當代藝術博物館、明尼亞波里斯市的沃克藝術中心、東京國立近代美術館、巴黎龐畢度中心、以及馬德里國家藝術中心博物館。在2012 至2013 年間，由倫敦泰德當代博物館所舉辦之國際回顧展中，草間彌生也是主角。該展隨後轉到紐約惠特尼美術館繼續進行。